MY-HIT Театральная шкатулка

Вера Федоровна Комиссаржевская – великая русская актриса начало 20 века.
«Я играю без конца, играю вещи, очень мало говорящие уму и почти ничего душе, — последняя сжимается, сохнет, и если и был там какой-нибудь родничок, то он скоро иссякнет.»(с)

no comment

"В рамках VIII Всероссийского фестиваля музыкальных театров «Видеть музыку» театр «Санктъ-Петербургъ Опера» представит
в Москве премьеру полной сценической версии оперы Жоржа Бизе «Иван Грозный».
Показы спектакля состоятся 11 и 12 октября на сцене театра «Геликон-опера».

Оперу «Иван Грозный» композитор Жорж Бизе написал между 1862 и 1864 годом на либретто Франсуа Ипполита Леруа и Анри Трианона.
В основе сюжета лежит реальное историческое событие — женитьба царя Ивана Грозного на черкесской княжне, однако большинство
сюжетных линий в произведении являются художественным вымыслом. Авторы оперы изобразили русского правителя сложным и
неоднозначным человеком, который мог быть как великодушным и любящим, так и безжалостным, мнительным.
В спектакле Иван Грозный предстает настоящим лирико-драматическим героем.

Опера «Иван Грозный» не звучала на мировой сцене после 1970-х годов. Восстановил произведение для российского зрителя
художественный руководитель и основатель театра «Санктъ-Петербургъ Опера» народный артист России Юрий Александров.
«В центре оперы Жоржа Бизе — образ царя Ивана Грозного. Мы привыкли к стереотипу: старик с горбатым носом, желчный, мнительный.
В этой версии он совсем другой: царь еще молод, он еще влюблен, влюблен настолько, что может умереть, почувствовав, что теряет
свою возлюбленную. Интересно рассказать романтическую историю этого великого человека», — отметил он."(с)

«Бриллиант в короне»: как Рудольф Нуреев изменил балет
Рудольф Нуреев начал свою карьеру в СССР, но подлинной звездой стал на европейской сцене. Как он вернул мужчинам ключевые
роли, какой постановкой завершилась его карьера и почему «Щелкунчик» стал психоаналитическим балетом?
Рассказываем о пяти знаковых ролях и постановках знаменитого танцовщика и балетмейстера.

Рудольф Нуреев родился 17 марта 1938 года в поезде между Иркутском и Слюдянкой. В начале войны семья Нуреева оказалась в
эвакуации в башкирской деревне, затем перебралась в Уфу. Здесь в 1943 году мать привела Рудольфа и трех его сестер в
театр на балет «Журавлиная песнь». Нуреев вспоминал:

Все, что я видел там, уводило меня из убогого мира и возносило прямо на небеса. Как только я вступил в это волшебное место,
я почувствовал, что покинул реальный мир, и меня захватила мечта, я лишился дара речи.
В 1948 году Нуреева приняли в детский фольклорный ансамбль, где его преподавателями были балерины Елена Войтович и
Анна Удальцова. С 1953 по 1955 год танцовщик занимался при Башкирском театре оперы и балета, тогда же впервые вышел на
сцену и заработал первые деньги. На них 17-летний Нуреев поехал в Ленинград — на прослушивание в хореографическое училище.
Его приняли, несмотря на возраст: он был на семь лет старше одногруппников.

"Он отчаянно пытался догнать сверстников. Каждый день весь день — танец. Проблемы с техникой его бесили.
В середине репетиции он мог разреветься и убежать. Но потом, часов в десять вечера, возвращался в класс и в одиночестве
работал над движением до тех пор, пока его не осваивал."
Михаил Барышников

На выпускном спектакле Нуреев показал блестящий результат, и его приняли в труппу ленинградского Кировского театра
(сейчас — Мариинский). После первого спектакля, балета «Лауренсия», критики пророчили молодому солисту большое будущее.

В 1961 году труппа Кировского театра отправилась на зарубежные гастроли. Нуреев, несмотря на запрет общаться с
иностранцами, проводил время с французскими коллегами. Узнав, что танцовщик нарушает правила поведения советских граждан
за границей, власти потребовали его возвращения в СССР. 15 июня труппа вылетала в Великобританию.

В аэропорту Нурееву сообщили о срочном вызове в Москву — для участия в правительственном концерте.
«Я знал, что это повлечет: я навсегда лишусь заграничных поездок и звания солиста. Меня предадут полному забвению», —
вспоминал артист. Он решился попросить политического убежища. Во Франции ему отказали, поэтому Нуреев переехал в Данию,
где танцевал в Королевском балете Копенгагена. Через некоторое время ему предложили место в Королевском балете
Великобритании, где Нуреев больше 15 лет был главной звездой в дуэте со знаменитой балериной Марго Фонтейн.
Позже танцовщик стал премьером венской труппы и получил австрийское гражданство. Он много снимался в кино,
гастролировал по всему миру, не только танцевал, но и ставил свои балеты.

«Лебединое озеро»
Руководитель лондонского Королевского балета Нинет де Валуа говорила, что Рудольф Нуреев «изменил статус
танцовщиков-мужчин и поставил беспрецедентно высокую планку, которой остальные должны были соответствовать».
В традиционной версии балета «Лебединое озеро», созданной Мариусом Петипа и доработанной Львом Ивановым,
главной на сцене была балерина. Хореография строилась вокруг партий Одетты и Одилии, а принц становился всего лишь
вспомогательным персонажем. Такое положение дел изменил Рудольф Нуреев. Благодаря его трактовкам мужских партий
танцовщики снова стали равнозначны балеринам на сцене. Нуреев не только придумывал вариации для своих собственных партий —
он создавал и партии для кордебалета, например в полонезе «Лебединого озера» стали танцевать 16 мужчин. Кроме того,
Нуреев привнес в мужской танец технику балерин: встал на носки — почти как на пуанты. Он, как балерины, разрабатывал все
связки и сделал тело более гибким, легким и выразительным, динамику его движения отмечали и критики, и зрители.
В 1962 году 24-летний Нуреев исполнял партию Зигфрида с лондонским Королевским балетом в постановке Нинетт де Валуа и Фредерика Аштона. Молодой артист позволил себе добавить в конце первого акта новую вариацию: сольный номер задумчивого принца, мечтающего об идеальном мире. Он так понравился и публике, и хореографам, что Королевский балет сохранил вариацию во всех последующих версиях «Лебединого озера».

Через два года Нуреев занялся постановкой собственной версии этого балета на сцене Венской оперы —
и добавил партии принца психологичности. Такой подход стал отличительной чертой его хореографии.
Каждое движение персонажа должно было быть не просто техничным, главным стало — выражать мысли и чувства на сцене.
Принц в версии Нуреева оказывался ключевым персонажем, в этой партии появилась своя линия развития героя:
сначала грустного и мечтательного, затем влюбленного, после обманутого и подавленного.

«Щелкунчик»
Еще во время учебы в Вагановском училище Нуреев танцевал партию одного из детей в классическом «Щелкунчике» версии
Василия Вайнонена, а спустя несколько лет вышел на сцену уже в роли принца.
Своего «Щелкунчика» Нуреев поставил в ноябре 1967 года — по просьбе датского хореографа Эрика Бруна для Шведского
королевского балета. Эту версию после несколько раз ставили в Лондоне, Милане, Буэнос-Айресе и Берлине. Нуреев
кардинально изменил либретто Петипа, написанное по сказке Гофмана. «Щелкунчик» стал психоаналитическим балетом,
где Дроссельмейер и Принц были одним и тем же героем, мужским идеалом, которым восхищалась переходящая из детства в
юношество героиня.
Эту версию Нуреев развил в постановке для Берлинской оперы в 1979 году. В ней весь сюжет Клара видит во сне, а в
крыс превращаются окружающие ее люди — родители и друзья. Такая метафора символизировала, как сложно иногда выстраивать
отношения с близкими. Большое внимание в своей постановке Нуреев уделил и внутреннему миру Клары, ее психологии и
переживаниям. Сам он говорил:
Как в Петрушке, жизнь бушует снаружи, а внутри ярмарочного театра — в замкнутом мире — разыгрывается интимная драма.


«Жизель»
Самой знаменитой в короткой карьере Нуреева в СССР стала партия Альберта в балете «Жизель».
Он танцевал в составе труппы Кировского театра с Ириной Колпаковой. В традиционной версии графа Альберта представляли
как легкомысленного юношу, который смеется над крестьянкой. Нуреев же показал своего героя как искренне влюбленного
человека, до глубины души потрясенного безумием и гибелью Жизели.
В феврале 1962 года, когда Нуреев уже жил за границей, ему поступило удивительное предложение: выйти на сцену в роли
Альберта вместе со звездой лондонского Королевского балета Марго Фонтейн. Нуреев был младше ее на 20 лет, но это не
помешало ошеломительному успеху дуэта. Зрители вызывали их на бис 28 раз. На спектакле присутствовала жена американского
президента Жаклин Кеннеди, позже она вспоминала:
От аплодисментов руки у людей распухли, стали черно-синими. Глядя на них, можно было компенсировать упущенных Нижинского
и Шаляпина. Это было одно из сильнейших художественных впечатлений в моей жизни…
«Партнерство, подобное этому, мы никогда не видели раньше и не увидим вновь. Уникальные и сверкающие таланты,
каждый самостоятельно превосходен и очень отличен от другого, соединились вместе, чтобы создать еще более великое», —
писал Джон Персиваль, балетный критик газеты Times. Во многом благодаря этому дуэту Марго Фонтейн не ушла со сцены —
вместе они танцевали еще более 700 раз, последним стал балет «Призрак Розы».

«Раймонда»
Нуреев танцевал в «Раймонде» еще в Кировском театре в Ленинграде. В 1959 году 21-летний артист исполнил партию одного
из рыцарей в падекатре — вариации для четырех танцовщиков.
«Раймонда» стала первым трехактным балетом, который Нуреев поставил на Западе. Впервые его показали на фестивале в
итальянском Сполето в 1964 году. Главную партию должна была танцевать Марго Фонтейн, но ее срочно вызвали в Лондон
из-за покушения на мужа — дипломата. Поэтому Нуреев вышел на сцену с другой балериной — Дорин Уэллс.
Французские кинорежиссеры Филипп Коллен и Пьер Андре сняли документальный фильм «Нуреев в Сполето»,
в котором Нуреев признался, что он всего четыре раза танцевал падекатр в Кировском театре, и четыре раза видел балет
целиком. Только по этим воспоминаниям он взялся за постановку.
Затем Нуреев создал еще две версии балета. Окончательный, более длинный вариант, где у главного героя появилось много
самостоятельных номеров, представили на открытии сезона-1983/84 в Национальной опере Парижа. К тому моменту танцовщик
как раз занял пост директора труппы этого театра.

«Баядерка»
Впервые на парижской сцене Нуреев появился в мае 1961 года в «сцене Теней» из балета «Баядерка».
Выступление молодого талантливого танцовщика покорило парижских зрителей и критиков.
На следующий день французская пресса назвала его «бриллиантом в короне» советских талантов.
«Баядерка» стала последней работой Нуреева в качестве балетмейстера. В 1992 году он поставил свою версию балета на той же
сцене Парижской оперы. Нуреев добавил «соло в плаще» для главного героя — Солора, а также танцы для второстепенных героев —
друзей Солора, превратив их из статистов в более значимых действующих лиц. Изменился и сюжет:
Нурееву не удалось создать четвертое действие по Мариусу Петипа — сцены обрушения храма и мести богов за смерть баядерки,
поэтому его версия завершается все той же «сценой Теней».
Сам Нуреев уже был смертельно болен, однако нашел в себе силы после спектакля подняться на сцену и принять овации публики.
Его поддерживали исполнители главных партий: Изабель Герен, Лоран Илер и Элизабет Платель.
Когда занавес опустился, министр культуры Франции Жак Ланг наградил балетмейстера орденом Искусств и литературы.
Через три месяца Нуреева не стало.

Автор: Полина Пендина

Театр для актера — храм. Это его святилище! Твоя жизнь, твоя честь — все принадлежит бесповоротно сцене,
которой ты отдал себя. Твоя судьба зависит от этих подмостков. Относись с уважением к этому храму и
заставь уважать его других, священнодействуй или убирайся вон.
Михаил Семенович Щепкин

Если говорить о форме, – прообразом всех искусств является искусство музыканта.
Если говорить о чувстве – искусство актера. (Оскар Уайльд)

Олег Павлович Табаков
Умение сказать «спасибо» — одна из важных привычек.
Всякое ремесло имеет свои тайны и требует таланта.
Чем раньше человек перестает ханжить и выдавать желаемое за действительное, тем лучше для него.
Актеры делятся на исполнителей и на тех, кто может что-то родить. Последних — всего только десять процентов.
Все эти разговоры, что кино убило театр, — чушь собачья. Немыслимая привилегия театра: приходит живой человек —
ему предлагают действо, которое разворачивается только один раз, на его глазах. Вышли два актёра, вынесли коврик —
и началось. 50 лет назад Михаил Ромм предрек театру смерть — от кинематографа. Прошло 50 лет — никаких сообщающихся
сосудов из театра и кино не вышло. Наоборот, кино по‑прежнему паразитически употребляет театральных актёров.
Не надо бояться быть глупым, смешным, нелепым. Человек так устроен, что в нем масса интересного чаще всего остается
за кругом нашего внимания. Мы идем по первому слою.
Я вообще бульдозер. Есть машины «Феррари», «Лексус», «Шевроле», а я — бульдозер. Так что никогда не соскакивал,
не увиливал и не сваливал на других.
Во мне четыре крови: русская, мордовская, украинская и польская… Я себя считаю пролетарием художественного труда.
Высокооплачиваемым.
Существо мужского пола должно обеспечивать прожиточный минимум жене, детям и людям, за которых это существо в ответе.
Так, во всяком случае, считали в моей семье в городе Саратове. Вот и всё. 90-е? Ничего страшного тогда не происходило.
Я работал: ставил спектакли, зарабатывал деньги за границей. Не переживал, а делал своё дело.
Ничего драматического — наоборот даже: в 95-м у меня родился сын Павел.
Ну у кого сейчас есть гражданская позиция? Моя гражданская позиция – чтобы актеры моего театра социально были защищены
много лучше, чем другие. И в открытии новых талантов.
Сегодня нет героев. Это нормально. Что-то я не шибко помню, чтобы французская революция рождала обилие героев.
Всё больше тартюфы или какие-либо такие пакостники, дурачки, вроде Журдена. Сейчас наши главные киногерои —
это «менты» и подросшие Гарри Потеры из «Ночного дозора». Моими героями были Соколов из «Судьбы человека»,
да даже мой мальчишка из «Шумного дня», но как-то все они удивительно далеки находились от юридической сферы
и, уж тем более, от охраны общественного порядка. Для меня герои — настоящие, не киношные —
просто русские интеллигенты: Лихачев, Солженицын.
Много ерунды происходит от желания людей понравиться. Синдром Хлестакова: хотите видеть меня таким?
Пожалуйста! Этаким? Рад стараться!

Форум-фестиваль «Особый взгляд»
Фестиваль проходит в разных городах России, его главная цель — создать площадку, где можно обсудить развитие
инклюзивных практик.

Основное направление фестиваля — театральная программа, для которой кураторы отбирают спектакли, посвященные
разным социальным темам. Например, стигматизации людей с инвалидностью, сложным подросткам и реформе
психоневрологических интернатов.

В этом году в программу «Особого взгляда» вошли 12 постановок. Среди них — спектакль «Молодость» от театра незрячих
«Мечтатели» из Ижевска, спектакль «Интернат» по тексту журналистки Елены Костюченко, «Возможность тождества» от
московского театра «Круг II» и другие.

Также у «Особого взгляда» есть блог, в котором публикуются личные истории людей с нарушениями зрения, полезные советы
от специалистов по инклюзии и информация о новых технологиях в медицине и образовании.

Театр «Недослов»

«Недослов» — частный театр неслышащих и слабослышащих актеров, который появился в Москве в 2003 году.
Его основали выпускники Российской государственной специализированной академии искусств — одного из немногих
образовательных учреждений, где готовят актеров с нарушениями слуха.

Первой постановкой стал дипломный спектакль студентов «Чайка по имени Джонатан Ливингстон», основанный на притче
Ричарда Баха. Он был экспериментальным: пластический перформанс без единого слова, с музыкой, танцем и жестовыми
образами, которые понятны всем зрителям.

Сейчас в труппе театра 26 актеров, а в репертуаре — семь спектаклей и мюзиклов. Их играют на жестовом языке, а
для слышащих зрителей включают дополнительную озвучку.

Проект «#ЗаЖивое»

Инклюзивная театральная лаборатория «#ЗаЖивое» работает при Центре Бориса Ельцина в Екатеринбурге уже пять лет.
В ее спектаклях играют как обычные актеры, так и участники с РАС и другими ментальными особенностями.

«#ЗаЖивое» появился благодаря руководителю инклюзивных программ Ельцин-центра Елене Возмищевой и режиссеру Борису
Павловичу, который в тот момент сотрудничал с фондом «Антон тут рядом» и работал с социальными театральными проектами.
К ним присоединился режиссер Свердловского театра драмы Дмитрий Зимин.

Создатели проекта выступают против традиционного подхода к театру — заученного сценария и отрепетированных движений
на сцене. Вместо этого они предлагают диалог — сначала на репетициях, обсуждая текст, а затем на сцене.
Параллельно с подготовкой к спектаклям, участники занимаются в другом инклюзивном проекте — творческой студии
«#ЗАрисовки», где под руководством художников они создают декорации для постановок.

«#ЗаЖивое» работает как инклюзивное сообщество, объединенное театром: студенты не только получают здесь сценический
опыт, но и находят друзей, ходят вместе на выставки и в кофейни.

Автор: Юна Драничникова

«Разговоры»
«Разговоры» объединяют людей с ментальными особенностями, профессиональных актеров и музыкантов.
Проект вырос из арт-пространства «Квартира», которое было открыто с 2017 по 2019 год в историческом центре
Санкт-Петербурга. Там проходили концерты, мастер-классы, репетиции и читки.

В стенах «Квартиры» сформировался репертуар: появились спектакли «Разговоры», «Недетские разговоры»,
«Фабрика историй» и «Исследование ужаса», которое номинировали на премию «Золотая маска».

Так как инклюзия — это механизмы равного включения в творческий процесс и социальную жизнь, то коллектив
«Разговоров» последовательно пробует разные театральные формы, заключающие в себе различные возможности.
От игровых интерактивных практик в «Квартире» к коллективному написанию пьес, от сторителлинга — к сочинению музыки.
Каждый спектакль — это фиксация определенного этапа работы, проверка результата через встречу со зрителями.
Мне нравится то, как театровед и большой друг «Разговоров» Саша Дунаева обозначает инклюзию в театре: инклюзивность —
это качество спектакля. Ни в коем случае не реабилитация, не благотворительность, а особое свойство художественной
постановки.
Борис Павлович, режиссер
Когда пространство закрыли, труппа «Квартиры» стала самостоятельным проектом «Разговоры».
Его главный принцип заключается в том, что каждый участник имеет свой голос и право на творческое высказывание.

То, как будет развиваться инклюзивный театр в будущем полностью зависит от его восприятия самими авторами и
создателями этого театра. Сейчас собирается очень плотная почва для прорастания инклюзии в государственных театрах или
в структурах, где раньше мы бы никогда не подумали, что сможем встретить нейроотличного участника. Например,
театр «Современник» открыл свою инклюзивную лабораторию, московский ГИТИС запустил магистратуру социального театра,
а у нас в Питере только недавно закончилась образовательная школа по этому же направлению, созданная «Инклюзионом»
совместно с «Альма Матер» и «КонтАрт». Этими небольшими шагами в инклюзию добровольно приходят сотни профессионалов
из разных уголков страны, которым важно видеть других и творить вместе с ними. Вовлеченность и включение — это,
собственно, и есть инклюзия, если переводить это слово с английского языка. А сегодня, как никогда, важно иметь
возможность быть включенным.
Борис Павлович, режиссер
Сейчас у «Разговоров» в репертуаре семь спектаклей, которые они показывают на разных площадках Санкт-Петербурга.
Чтобы увидеть их вживую, нужно следить за новостями на сайте или в социальных сетях.

Фонд «Антон тут рядом»

Благотворительный фонд «Антон тут рядом» появился в 2013 году в Санкт-Петербурге.
Его миссия — поддержать людей с аутизмом и дать им возможность реализовать свой потенциал.
Уже в первый год работы в фонде возникло театральное направление, в котором профессиональные актеры и люди с
особенностями развития участвуют на равных.

Театру, как и любому другому проекту, бизнесу или институции, нужно быть инклюзивным. Во-первых, все люди разные и
все они нуждаются в театре как языке и месте, где отражается, рефлексируется, пересоздается их жизнь.
Мы нуждаемся в театре, даже если этого не осознаём. Во-вторых, нет никакой абстрактной инклюзии «на все общество сразу». Каждый отдельный пандус при здании, разговор на улице или произведение искусства, каждое частное усилие создают общую инклюзию. Так и отдельный спектакль, открываясь новым участникам, развивает общество. Наконец, театр говорит о людях во всей их красоте, различиях и многообразии. Произведения, процессы и коллективы становятся богаче и мудрее, когда знакомятся с новыми языками, взглядами и потребностями.
Тимофей Ткачев, режиссер
Первый спектакль фонда, «Язык птиц», поставил режиссер Борис Павлович на сцене Большого драматического театра
им. Г.А. Товстоногова. В основу постановки легла одноименная поэма персидского поэта и философа Фарида ад-Дина
Аттара о любви, одиночестве, радости и растерянности. Вместо привычных ролей и строгого сценария студенты центра
«Антон тут рядом» самостоятельно написали монологи. Их дополнили музыкальными импровизациями от оркестра фонда и
его руководителя, Алексей Плюснина.

Премьера «Языка птиц» прошла в 2015 году с большим успехом: по итогам сезона спектакль номинировали на театральную
премию «Золотая маска» (номинация «Эксперимент»), а режиссер Борис Павлович получил специальный приз жюри от
Санкт-петербургской театральной премии для молодых «Прорыв».

С тех пор подопечные фонда выпустили еще несколько спектаклей, а на базе «Антон тут рядом» открылась репетиционная
мастерская «Арт-цех» под руководством актрисы Яны Туминой. В ближайшее время фонд совместно с режиссером Тимофеем
Ткачевым выпустит новый спектакль — «Революция повседневности», его премьера пройдет на Новой сцене Александринского
театра.

В спектакле «Революция повседневности», который мы готовим с фондом «Антон тут рядом», участвуют профессиональные
актеры и подростки — как с РАС, так и без особенностей. Репетируем мы так же, как с любыми другими актерами,
вне зависимости от их опыта. Поначалу много играли и разминались. Затем участники делали этюды и писали короткие
пьесы, рисовали эскизы декораций, вырезали из ткани эскизы костюмов. Потом из всех этих материалов мы с постановочной
командой собрали пьесу и концепцию спектакля, который вот-вот покажем на сцене.
Тимофей Ткачев, режиссер

5 инклюзивных театров России

Термин «инклюзия» происходит от английского to include — «включать, вовлекать». Чаще всего этим словом обозначают
программы и практики, направленные на работу с людьми с разными возможностями, включая посетителей с ментальными и
физическими особенностями, детей из неблагополучных семей и тех, кто столкнулся с опытом вынужденной миграции и
переселения.

Главная цель инклюзивных проектов — создать доступную среду, где любому зрителю или посетителю будет комфортно.
Например, где человек на инвалидной коляске сможет самостоятельно въехать на крыльцо и нажать кнопку вызова помощи,
а незрячий человек — получить нужную информацию, записанную шрифтом Брайля.

Помимо комфортных условий, инклюзия также подразумевает равные права для всех людей — рабочие места для людей с
особенностями здоровья и развития, специальное сопровождение в школах и даже Паралимпийские игры.

Большинству людей, чтобы посетить театр, нужно просто купить билет и спланировать маршрут. Для зрителей с
особенностями этот процесс сложнее. Им нужно продумать, как найти подходящий транспорт, как зайти в здание и у
кого попросить помощи, если она понадобится. Еще труднее актерам с инвалидностью: им редко выпадает возможность
сыграть в спектакле. Так появился инклюзивный, или социальный, театр, в котором участвуют люди с физическими и
ментальными особенностями. Его задача — показать разнообразие мира и дать возможность выйти на сцену тем,
у кого ее обычно нет. Например, неслышащим актерам, детям с расстройством аутического спектра (РАС) или сложным
подросткам.

Мы собрали пять инклюзивных театральных проектов в России, которые создают интересные и вдохновляющие спектакли.

14 апреля Московский академический Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко представил
премьеру современного балета «Зазеркалье» хореографа Константина Семенова.
Показ спектакля по мотивам книги Льюиса Кэрролла «Алиса в Зазеркалье» состоялся на Малой сцене театра.
Совместно с композитором Василием Пешковым и театральным художником Марией Трегубовой Константин Семенов формирует
на сцене особое художественное пространство, в котором раскрываются как знакомые, так и новые смыслы литературного
первоисточника. Также посредством хореографического языка Семенов раскрывает тему взросления и вводит в спектакль
образы Алисы-девочки и взрослой Алисы.

«Еще в самом начале нашего приключения я стал понимать, как далеко нам предстоит уйти от первоисточника, —
прокомментировал хореограф-постановщик. — Ведь мы стремились не иллюстрировать сюжет книги, а, используя найденные
в ней знаки как основу, оставить свое послание. Исследователи и переводчики Кэрролла отмечают,
что текст этого образца литературы нонсенса является сам по себе главным действующим лицом.
И в этом тоже был вызов, ведь как передать игру слов движением, как сконструировать интеллектуальную головоломку в
балетном спектакле, не потеряв легкости и привлекательности образов условно детской сказки?»

В «Зазеркалье» принимают участие прима-балерина Ксения Рыжкова, ведущие солисты Валерия Муханова, Елена Соломянко,
Анастасия Лименько Евгений Жуков, Джона Кук, Иннокентий Юлдашев, Герман Борсай, первая солистка Полина Заярная и
другие артисты балетной труппы МАМТа.

В странном мире мы живем... Актеры из кожи вон лезут, чтобы быть похожими на джентльменов,
а джентльмены делают все возможное, чтобы выглядеть как актеры.
Уильям Сомерсет Моэм
Театр

Шекспир
Be great in act, as you have been in thought.
Будь таким же великим в действиях, каким ты был в мыслях.

Театр на Таганке представляет спектакль «Утиная охота»
7 марта Театр на Таганке представит премьеру спектакля «Утиная охота».
Показ постановки Анны Закусовой по одноименной пьесе Александра Вампилова состоится в пространстве
«Сцены на Факельном».

Главный герой пьесы Александра Вампилова «Утиная охота» вошел в историю отечественного театра как русский Гамлет.
Постигая тайны собственного я, одинокий и опустошенный Зилов размышляет об окружающем его мире в попытке понять,
«быть или не быть». Режиссер-хореограф Анна Закусова решает эту драматическую ситуацию через пластику,
выражая в движениях то, что нельзя высказать словами.

«Мне интересен Зилов. Я хочу поговорить о нем, о его состоянии, — отмечает Анна Закусова. — Вампилов,
продолжая традиции Чехова и Гоголя, говорит о «лишних людях», и я понимаю, что знаю таких людей, знаю Зиловых.
Он находится в драматически напряженном моменте жизни, на перепутье. Вся пьеса как будто сон.
И эта нереальность происходящего дает возможность говорить на языке движения, тела и пластики».

Эскиз спектакля «Утиная охота» был показан осенью 2022 года. Он стал первой постановкой, принятой в основной
репертуар Театра на Таганке в рамках режиссерской лаборатории «Ликбез».

В спектакле заняты Сергей Кирпичёнок, Филипп Котов, Александр Зарядин, Андрей Сычев, Иван Лоскутов,
Роман Колотухин, Никита Лучихин, Анна Сафронова, Дарья Десницкая, Мария Матвеева и Елизавета Высоцкая.

Лоуренс Оливье

Я верю в театр; я верю в него, как в первый гламурный инструмент мышления. Он восстанавливает драматическую динамику
и их отношения в натуральную величину.

Проверяем по глазам братьев и товарищей: что это, шутка или правда? Но отец вытащил что-то из кармана жилета и говорит,
коварно улыбаясь:
«Вот он! Нашел!» — и машет красным билетом в воздухе.
К выезду, особенно в оперу или на балет, тщательно готовились. В XIX веке театральный этикет включал множество правил,
которые касались в том числе одежды. Если взрослые надевали парадные платья и фраки, то детей наряжали совсем не так,
как мог бы представить современный человек.

Нас… одевают в шелковые русские рубахи с бархатными шароварами и замшевыми сапогами. На руки натягивают белые перчатки
и строго-настрого наказывают, чтобы по возвращении домой из театра перчатки оставались белыми, а не совершенно черными,
как это обыкновенно случается. Понятно, что мы весь вечер ходим с растопыренными пальцами рук, держа ладони далеко
от собственного туловища, дабы не запачкаться.
Театр в XIX веке заменял несколько мест досуга — там смотрели длинное представление, виделись со знакомыми,
могли легко перекусить. Поездка больше напоминала сборы на природу: с собой брали слуг, приглашали друзей, запасались
угощениями для длинных антрактов.

Одной кареты [на всю семью] не хватает, и мы едем, точно пикником, в нескольких экипажах. С нами везут специально
сделанную доску. Она кладется на два широко расставленных стула, на эту доску усаживают подряд человек восемь детей,
которые напоминают воробьев, сидящих рядом на заборе. Сзади в ложе садятся няни, гувернантки, горничные, а в аванложе
мать готовит нам угощение для антракта, разливает чай, привезенный для детей в особых бутылках.
Детей возили не на специальные представления, а на спектакли для взрослых. В то же время постановки выглядели гораздо
масштабнее, чем сейчас, в них было много волшебных элементов или сильных эффектов: превращений, кораблекрушений,
природных стихий. Их создавали с помощью сложных технических устройств, которые были видны на сцене, — машинерии.
Из воспоминаний Станиславского можно узнать, что маленькие зрители понимали, что спектакль — это игра, но все равно
сопереживали актерам.

Огромный зал с многотысячной толпой, расположенной внизу, вверху, по бокам, не прекращающийся до начала спектакля и
во время антрактов гул людских голосов, настраивание оркестровых инструментов, постепенно темнеющий зал и первые звуки
оркестра, взвивающийся занавес, огромная сцена, на которой люди кажутся маленькими, провалы, огонь, бушующее море из
крашеного холста, тонущий бутафорский корабль, десятки больших и малых фонтанов живой воды, плывущие по дну моря рыбы,
огромный кит — заставляли меня краснеть, бледнеть, обливаться потом или слезами, холодеть, особенно когда похищенная
балетная красавица молила страшного корсара отпустить ее на волю.
Автор: Тата Боева

Дети и театр: как в XIX веке прививали культуру
До изобретения кинематографа и телевидения среди дворян и богатых горожан особенно популярен был театр.
Люди с достатком ездили на спектакли по несколько раз в месяц, зачастую всей семьей. Специальных детских представлений
тогда не существовало — и взрослые, и маленькие зрители смотрели одни и те же постановки. Для младшего поколения это
было большое событие, поощрение за хорошее поведение и возможность оказаться в свете. Как выглядели подобные выезды,
позже написал в книге «Моя жизнь в искусстве» Константин Алексеев — более известный под сценической фамилией
Станиславский. Рассказываем о семейной театральной культуре на примере его воспоминаний.

Билеты в театр или цирк не покупали, как в наши дни, заранее.
За ними посылали служащих накануне или день в день. Поэтому дети не знали точно, когда семья поедет на спектакль, —
и старались всеми способами выяснить, запланировали ли взрослые выход в свет.

Кто знает, может быть, отец, который лучше всех понимает детские потребности, уже позаботился о ложе в цирк или хотя
бы в балет, или даже, на худой конец, в оперу. Ну, пусть даже в драму… Билетами в цирк или в театр ведал управляющий
домом.
Управляющий вернулся, вошел в кабинет к отцу и передал ему что-то из бумажника. Что же, что? Подкарауливаешь:
лишь только отец выйдет из кабинета, скорей к письменному столу. Но на нем, кроме скучных деловых бумаг,
не находишь ничего. Сердце заныло! А если заметишь желтую или красную бумажку, то есть билет в цирк, —
тогда сердце забьется так, что слышны удары, и все кругом засияет.
В больших городах — Алексеевы жили в Москве — был выбор, куда отправиться вечером: балет, драматический театр,
цирк и опера, русская или иностранная, чаще всего итальянская. Дети, которых с малых лет возили на разные представления,
зачастую любили и ждали определенные постановки — и старались угадать, когда и куда именно отправится семья.
Отдавали ли приказ кучерам беречь битюгов (большие, сильные лошади)? Если да — хороший признак.
Значит, нужна большая четырехместная карета — та самая, в которой возят детей в театр. Если же битюги уже ходили днем —
плохой признак. Ни цирка, ни театра не будет.

Театр, как и многие развлечения, превращался в подарок для семьи, особенно для самых маленьких.
Часто поездку преподносили как награду за хорошее поведение, успешную учебу или выполнение «скучных» обязанностей.
Например, мальчиков Алексеевых могли отвезти на спектакль за то, что они не шалили во время визита немолодых тетушек.

Отец молча лезет в боковой карман, медленно, с выдержкой, ищет там чего-то, но не находит. Не в силах больше ждать,
мы вскакиваем, бросаемся к отцу, окружаем его.
Отец лезет в другой карман, шарит в нем, достает портмоне, не спеша выворачивает карманы — и там ничего.
«Потерял!» — восклицает он, весьма естественно играя свою роль.
Кровь бежит вниз от щек до самых пяток. Нас уже ведут и усаживают на места. Но мы не отрываем глаз от отца.

Самое забавное в этой истории: зрители решили, что это кульминация пьесы – тюрьма разрушена! – и начали хлопать.

Евгений Евстигнеев выбрался из-под декораций и неизвестно кому скомандовал «Поднять тюрьму!». Тюрьму поднимать не стали.
Опустили занавес.

Театральных баек об оружейных осечках – великое множество. Ну, это когда висящее на стене ружьё, вопреки замыслу автора,
не стреляет в последнем акте пьесы. Константин Треплев в чеховской «Чайке» по техническим причинам не может совершить
самоубийство. Дуэль Онегина и Ленского тянется-тянется, затем откладывается и Ленский остаётся жив. А обманутый жених
Юлий Капитоныч Карандышев никак не может покарать неверную обманщицу – бесприданницу Ларису Дмитриевну. И всё из-за
отсыревшего пороха, бракованных капсюлей, нерадивости реквизиторов или потому, что у техника-шумовика в самый
кульминационный момент спектакля живот прихватило.

У замечательного актёра Евгения Александровича Евстигнеева в его театральной жизни тоже был курьёзный эпизод,
связанный с ротозейством закулисных работников, которые отвечали за звуковые эффекты.
В молодые годы начинающий артист Евгений Евстигнеев играл солдата-стражника в спектакле «Овод» по одноимённому роману
английской писательницы Этель Лилиан Войнич. Это произведение повествует об истории молодого, наивного, полного идей и
романтических иллюзий Артура Бертона, который со временем преображается в человека с изуродованной внешностью,
исковерканной судьбой и ожесточённым сердцем. Он превращается в убеждённого революционера, берёт себе новое имя
Феличе Риварес и становится насмешливым журналистом-циником с творческим псевдонимом Овод.
Пламенный борец за свободу, равенство и братство Овод, вместе с другими итальянскими патриотами сражается против
австрийских оккупантов за объединение и независимость Италии. Финал произведения трагичен – Овода арестовывают
гвардейцы, отправляют в тюрьму и там расстреливают.
Так вот, в театральной постановке «расстрелять» Овода было поручено молодому актёру Евгению Евстигнееву.
Он играл бессловесную роль солдата-карабинера. Его задача была хоть и крайне драматической, но при этом совершенно
простой: вывести арестованного революционера, поставить его у тюремной стенки и после команды офицера «Пли!»
выстрелить в героя из пистолета. Звук выстрела обеспечивался хлопком шумового оружия за кулисами.

Во время одного из спектаклей с шумовым пистолетом возникла заминка, и актёров на сцене попросили потянуть время.
Тюремные офицеры и прочие действующие лица вступили в импровизированный диалог с приговорённым к смертной казне Оводом,
из-за чего его жизнь продлевалась и продлевалась. Артисты пороли всяческую отсебятину, а из кулис шептали:
«Сейчас-сейчас, подождите немного, уже заряжают…».

Евгений Евстигнеев решил тоже поучаствовать в массовой импровизации. Не стоять же на сцене болваном-истуканом!
Как бы между делом он подошёл к Оводу, сымитировал проверку пистолета, развернул его к себе и заглянул в ствол…
И в этот момент за кулисами грохнул выстрел!... Стражник Евстигнеев от неожиданности дёрнулся-шарахнулся, потерял
равновесие и упал на Овода. В попытках устоять на ногах Овод зацепил задник с нарисованной тюрьмой и вместе с ним
рухнул на других актёров…

Последние годы своей жизни выдающаяся актриса Фаина Георгиевна Раневская часто болела.
Как-то раз ей позвонил драматург Иосиф Прут, чтобы справиться о её самочувствии.

Страдавшая от острой боли Раневская ответила с присущим ей юмором: – Понимаешь, оказывается, у меня камни в почках.
Написал бы ты, голубчик, для меня пьесу «Дама с каменьями».

"Однажды, в середине XIX века, актёр Платон Пронский, игравший героев-любовников, подговорил комика Александра Алексеева
идти к директору императорских театров Андрею Ивановичу Сабурову просить увеличения разовой платы.
Разовая плата – это единовременное вознаграждение за каждый сыгранный спектакль.

В условленный день Платон Пронский оделся франтовато. Всё на нём было модно и, как говорится, с иголочки.
Надо особо отметить, что среди петербургских актёров того времени Пронский резко выделялся своими костюмами,
всегда изящными и очень дорогими. Он считался законодателем мод, и петербургская молодёжь старалась подражать
главному столичному щёголю.

А вот Александр Алексеев напротив же выбрал из своего гардероба самое ветхое платье и изношенные сапоги.
Таким обтрёпанным костюмом он полагал разжалобить директора.

Как вы думаете – какой именно способ выпрашивания увеличенного гонорара сработал на приёме у важного театрального
чиновника? Кому он отдал своё предпочтение: напыщенному франту или бедному несчастному просителю?.. А вот сейчас узнаете…

Пришли, значит, два известных актёра в приёмную директора императорских театров Андрея Сабурова.
Вышел тот из своего кабинета и, обращаясь к Пронскому, спросил: – Что вам надо?

– Играю любовников, роли требуют обилия костюмов, а получаю я мало… – ответил артист Пронский.

– Хлопочете о прибавке? – уточнил Сабуров.

– Так точно, ваше превосходительство…

– Ну, хорошо… я прибавлю к вашим разовым выплатам один рубль… А вам что? – спросил директор актёра Алексеева,
который стоял скромно в сторонке и строил жалобную гримасу.

– Да вот, семейство у меня большое, а разовые вознаграждения маленькие… – начал канючить Алексеев.

– Как вам не стыдно просить прибавки? – вдруг накинулся на него Сабуров. – Я понимаю Пронского, ему на костюмы мало,
а вам на что? Ходите оборванцем, сапоги худые… Куда вы только деньги деваете?...

В общем, жалостливый вариант выпрашивания увеличенного гонорара не сработал. Не разжалобил он директора."(с)

А вот вам то ли театральный анекдот, то ли реальная быль – судите сами.
В одном театре шла премьера пьесы Александра Николаевича Островского «Бесприданница». Напомню,
в её трагическом финале обманутый жених Юлий Капитоныч Карандышев произносит знаменитые слова:
«Так не доставайся же ты никому!» и стреляет из пистолета в неверную невесту Ларису Дмитриевну.

Звук выстрела в том театре обеспечивался так: реквизитор за кулисами дожидался нужную реплику и бил молотком
по капсюлю для охотничьих патронов. Капсюль грохотал, главная героиня падала и умирала. Всё, конец печальной драмы.
Аплодисменты, поклоны, цветы и занавес.

И вот во время премьеры, Карандышев сказал роковые слова, навёл пистолет на Ларису… а за кулисами вместо громкого
выстрела раздался только лишь гулкий удар молотком. Осечка…

Актёр выкрутился следующим образом: сделал вид, что перезарядил свой пистолет, снова навёл его на несчастную
бесприданницу, с пафосом произнёс: «Так вот умри же!» и… снова вместо оружейного грохота… очередной тюк! молотком.
Карандышев перезарядил «негодный» пистолет в третий раз, и после слов: «Я убью тебя!»… произошла третья осечка...

"Новый сезон в театре «Градский Холл» откроет «Le prince André. Князь Андрей Болконский»

Спектакль, состоящий из двух 55-минутных актов, рассказывает историю с почти детективной фабулой.
Из эпизодов романа Алексей Рыбников сложил новое увлекательное произведение.

«Линия жизни Андрея Болконского, который у Льва Толстого в романе совсем молодой человек,
его искания смысла в жизни, настоящая и трагическая любовь к Наташе Ростовой, героическая гибель на войне и в финале
приход к Богу… это показалось мне настолько важным, что я сделал князя Андрея главным героем моей оперы-драмы», —
рассказал режиссер.

Постановку дополняют документальные материалы: цитаты из дневников Наполеона Бонапарта,
фрагмент молебна иконе Богоматери «Одигитрии», казачья походная песня «Уж как пал туман на синё море…» и другие тексты,
которые позволяют воспроизвести дух эпохи, описанной в романе Толстого.

Самостоятельным участником сценического действа становится музыка. Яркие мелодии принимают формы симфоний, серенад, рока
и рэпа, придавая классике необычное современное звучание.

Главных героев постановки сыграют солисты Творческой мастерской Алексея Рыбникова: участники шоу «Голос» Никита Поздняков
(князь Андрей) и Александр Поздняков (Наполеон), Валерия Воробьева (Наташа Ростова) и Роман Орлов (Пьер Безухов),
Николай Лютов (Александр I). Роль Анатоля Курагина в новом сезоне исполнит Иван Лаврухин."(с)сайт Культура
Всего в спектакле задействовано около 50 человек.

"Народная артистка и туалет
Малый театр едет на гастроли на поезде. Народу много, полный сумбур.
В прокуренном тамбуре у туалета ждёт своей очереди знаменитая Варвара Массалитинова.
Пять минут, десять, пятнадцать… Массалитинова ждёт, а туалет все занят.
Наконец, Варвара Осиповна не выдерживает и могучим, низким голосом сообщает сидящему в туалете:
«Здесь стоит народная артистка РСФСР Массалитинова!»
Из-за двери раздается еще более мощный и низкий голос:
«А здесь сидит народная артистка СССР Пашенная! Подождешь, Варька!»(с)

Антоний и Клеопатра
На вахтанговской сцене идет “Антоний и Клеопатра”. В роли Цезаря – Михаил Ульянов.
События на сцене близятся к развязке: вот-вот Цезаря истыкают ножами, зал в напряжении, женщины рыдают…
И тут вдруг из всех динамиков разносится бодрый голос помрежа: “Передайте Ульянову: как только умрет,
пусть сразу же позвонит домой”!

Расстрел комсомольца
Одно время в театрах было запрещено пользоваться стартовыми пистолетами. Категорически предписывалось пользоваться на сцене
макетами оружия, а выстрелы подавать из-за кулис. И вот в одном театре идёт патриотическая пьеса.
На краю каменоломни стоит связанный комсомолец, а безжалостный фашист целится в него из пистолета.
Все ждут выстрела и смерти комсомольца, но помреж за кулисами отчего-то замешкался. Выстрела нет и нет.
«Фашист» ждёт минуту, другую и совершенно бытовым жестом чешет себе висок дулом пистолета. Как назло, хлопушка помрежа в
этот самый момент хлопает! БЭМЦ! “Фашист”, будучи артистом реалистической школы и профессионалом, ничего не может поделать
и падает замертво. Тогда комсомолец, который тоже профессионал и реалист, понимает что надо спасать финал.
С криком “Живым не дамся!” он бросается в штольню. Занавес.

Чувства, если разобраться, существуют либо в самой глубине человека, либо на поверхности.
На среднем же уровне их только играют. Вот почему весь мир — сцена, почему театр не теряет своей популярности,
почему он вообще существует, почему он похож на жизнь, а он похож на жизнь, хоть и является в то же время самым пошлым и
откровенно условным из искусств.
Айрис Мёрдок
Море, море

Сцена: что такое трюм, планшет и карманы

Главная часть любого театра — сцена — располагается на возвышении перед зрительным залом. Она состоит из нескольких частей.
Верхняя включает в себя несколько ярусов — галерей с лестницами и мостиками. По ним передвигаются работники театра,
здесь крепят навесные декорации, устанавливают оборудование и осветительные приборы.

На средней игровой сцене происходит само действо. Пол из деревянных щитов в театре называют планшетом.
Иногда он снабжен поворотным кругом — конструкцией, которая позволяет быстро менять декорации и не прерывать из-за этого
постановку. В спектакле «Денискины рассказы» Молодежного театра на поворотном круге разместили сразу несколько мест действия:
комнату с обеденным столом, школу и двор, где героя ждут друзья и приключения.

Нижняя сцена — трюм — расположена под планшетом. Она тоже может состоять из нескольких ярусов.
В таком случае верхний ярус называют первым трюмом, а остальные — вторым и третьим. В нижней сцене находится люк:
его используют, если во время представления актеры должны неожиданно и быстро появляться или исчезать.
Проем в полу закрывает щит, а под ним спрятан подъемный механизм. В нижней сцене размещается суфлерская будка.
Суфлер следит по тексту за ходом пьесы и, если нужно, незаметно подсказывает актерам реплики. В современных театрах отводится
больше времени на репетиции, чем прежде, и суфлеры встречаются все реже. Эта должность сохранилась в некоторых московских
театрах, например в Большом и Малом.
Иногда сцена располагается в центре зала, тогда зрители сидят вокруг нее. Но чаще встречаются портальные конструкции,
так называемые сценические коробки. Даже с поднятым занавесом публика видит только часть такой коробки,
остальные пространства скрыты. Авансцена — самая близкая к зрителю — выступает в зал. В драматических театрах режиссеры
используют это пространство для небольших спектаклей перед закрытым занавесом. Следом идет средняя игровая сцена с кулисами.
А по сторонам от нее находятся помещения, в которых хранят собранные декорации, — карманы.

В некоторых театрах предусмотрена и глубинная арьерсцена, она располагается за фоном. Если режиссерам нужна большая глубина
пространства, то ее используют как основную, но обычно здесь устанавливают аппаратуру.

Автор: Маргарита Ковынева

Как работают гримеры и костюмеры
Костюмы персонажей должны соответствовать эпохе и социальному статусу героев, а иногда и подчеркивать черты их характеров.
В спектакле «Денискины рассказы» актеры одеты в платья 1960-х годов: прохожий — в плащ с ватными плечами и фетровую шляпу,
школьник и милиционер — в форму того времени. А в постановке «Калиф-аист» по одноименному произведению Вильгельма Гауфа
герои носят яркие, богато украшенные шитьем и позолотой наряды по мотивам восточных сказок.

За сценическую одежду актеров отвечают художники по костюмам или костюмеры. Вместе с режиссером они разрабатывают эскизы и
подбирают материалы. Саму одежду обычно шьют на заказ в мастерских. А костюмеры приводят в порядок готовые наряды, отпаривают
их, сами исправляют небольшие дефекты и даже помогают артистам одеваться. После представления на одежду надевают ярлыки с
указанием постановки и актера.

Над эскизами костюмов для постановок часто работают именитые художники. По рисункам Льва Бакста шили театральную одежду
для артистов Императорских театров — Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной и многих других. Для балетных костюмов Бакст
тщательно продумывал детали, цвета и узоры, ведь наряды должны подчеркивать пластику актера во время танца.
Предметы одежды и аксессуары, созданные по эскизам Бакста, сегодня выставляют в музеях.

Вместе с художниками по костюмам образ актера создают гримеры. Театральный гример должен иметь разные навыки: визажиста,
парикмахера и постижера — специалиста по парикам, накладным бородам и усам. Ему приходится учитывать особое театральное
освещение и удаленность актера от зрителей, чтобы лицо не выглядело блеклым и бесцветным. Перед началом спектакля гримеры
наносят артистам специальную театральную косметику, а во время представления поправляют ее или даже создают новый образ,
если того требует сценарий.

Существует два типа грима. При живописном цвет кожи и нужные эффекты создают с помощью красок.
А при объемном мастера используют наклейки, эластичные накладки, усы, бороды, брови, бакенбарды.
В постановке «Волшебник Изумрудного города» Воронежского театра юного зрителя гримеры так воссоздавали образы льва с
ярко-красными волосами, страшилы с заплатками на лице и других персонажей.

Звуки леса и огни ночного города: освещение и музыка

Важная часть каждого спектакля — освещение. Оно помогает передать время суток или состояние природы.
В современном театре все чаще используют световые проекции, которые воссоздают дождь, снег, морские волны и облака.
Световые эффекты помогают зрителю перенестись в сказочный мир в постановке «Алиса в Стране чудес».

Софиты — конструкции из металла с осветительными приборами — находятся над игровой частью сцены, на галереях и боковых
кулисах. Внизу лампы спрятаны за длинным барьером, такую установку с рассеянным светом называют рампой. Софиты, как и
декорации, устанавливают с помощью подъемных кранов, лебедок, тросов и блоков. Крупные конструкции вывозят на фурках —
передвижных площадках

Магия театра: как создают спектакли
Успешный спектакль — это не только работа режиссера и актеров: над каждой постановкой трудятся множество работников театра.
Читайте в нашем материале, как придумывают костюмы и рисуют грим, создают старинное оружие и украшения, подбирают музыку и
освещение. А еще узнайте, как устроена сцена: зрители видят лишь небольшую ее часть.

Как создают декорации
Театральные декорации переносят зрителей в место, где по сюжету разворачивается представление.
Это могут быть сады, леса, городские улицы и площади, интерьеры разных эпох. В постановке «Ревизор» Малого театра действие
происходит в небольшом провинциальном городке. Декорации воссоздают дом городничего с ветхим крыльцом, скрипучей лестницей и
цветами на окнах.

Работа над оформлением спектакля длится долго: сначала художники создают эскиз, а затем выполняют макет — миниатюрную сцену
с главными элементами. И только потом приступают к основной работе. Некоторые фрагменты рисуют красками на бумаге или холсте.
Например, на ткани пишут задник — фоновый занавес в глубине.

Кулисы — декорации по бокам сцены — могут располагаться в несколько рядов. Во время представления их передвигают и меняют,
таким образом отделяют одно действие от другого. Иногда режиссеры совсем отказываются от кулис, и актеры играют в пустом
пространстве сцены.

Предметы, которые используют в постановке, называют реквизитом. Это оружие, элементы костюмов или предметы интерьера.
Вещи, которые сложно достать: вазы и шкатулки определенной эпохи, украшения, старинную амуницию, —
изготавливает художник-бутафор. Для этого используют бумагу, картон, холст, металл или пластик.
Для музыкального спектакля «Летучий корабль» даже напечатали свои банкноты номиналом одна деньга —
во время представления они падают на сцену дождем.

Художники создают мебель и оружие, посуду и цветы, фрукты и овощи. Абсолютная точность в деталях не важна — главное,
чтобы вещь выглядела убедительно на расстоянии. Они следят за сохранностью предметов и готовят их к постановкам,
а в небольших театрах сами обставляют сцену. Бутафорские изделия обычно весят меньше, чем настоящие,
что облегчает актерам работу.

Многие известные художники работали над театральными декорациями. Константин Коровин оформил для Большого театра больше
50 опер и балетов, среди них «Руслан и Людмила», «Русалка» и «Золотой петушок». Александр Бенуа сотрудничал с
Сергеем Дягилевым во время Русских сезонов, европейских гастролей артистов из Петербурга и Москвы.
А Михаил Врубель создал эскизы декораций для опер Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» и «Царская невеста».

Кино — это полная противоположность театру. Фильмы надо смотреть сразу, как только они выходят на экран, потому что
потом можно только разочароваться, тогда как на спектакли лучше идти как можно позже, ни в коем случае не в начале
( генеральные — это кошмар, актеры играют хуже обычного, им надо дать время «обкатать» спектакль,
а автору — время поправить пару реплик в случае чего). Кино потребляется мгновенно, театру же надо отстояться, как вину.
Кино — свежий скоропортящийся продукт, а театр — это блюдо, которое лучше есть остывшим. Надо смотреть новые фильмы и
старые спектакли.

Фредерик Бегбедер
"Романтический эгоист"

В одном из небольших гоpодов театp пpоездом давал «Гpозy» Остpовского. Как многие, наверно, помнят, там есть сцена
самобpосания тела в pекy. Для смягчения последствий падения обычно использовались маты. И обычно их с собой не возили,
а искали на месте (в школах, споpтзалах). А здесь не нашли: нет, не дают и т. п. В одном месте им пpедложили батyт.
Делать нечего, взяли, но в сyматохе (или намеpенно) забыли пpедyпpедить актpисy. И вот пpедставьте себе сценy:
геpоиня с кpиком бpосается в pекy… и вылетает обpатно. С кpиком… И так несколько pаз…
Актеpы с тpyдом сдеpживаются (сцена тpагическая), зpители в тpансе… В этот момент один из стоящих на сцене с пpоизносит:
— Да… Hе пpинимает матyшка-Волга…

Я не признаю слова «играть». Играть можно в карты, на скачках, в шашки. На сцене жить нужно.
Фаина Раневская

Якутский театр «Олонхо»
Театр «Олонхо» в Якутске называют «послом якутской культуры». Его репертуар основан на местном эпосе олонхо — героических поэмах, в которых могучие богатыри и богатырши сражаются со злыми силами, ищут чудесный предмет и даже находят любовь. ЮНЕСКО признало якутский эпос частью нематериального наследия человечества.
Важную роль в постановках театра «Олонхо» играют олонхуты — сказители, исполнители традиционных поэм. Они участвуют почти в каждом спектакле и специально обучают некоторых актеров. Кроме того, театр проводит фольклорные экспедиции и каждый год в июне устраивает национальный праздник лета Ысыах. Это главное торжество якутов, его название буквально переводится как «изобилие». В старину праздник отмечали в день летнего солнцестояния: молились языческим богам, накрывали столы с угощениями, устраивали танцы, игры и конные скачки.

Автор: Ирина Кирилина

Башкирский академический театр драмы им. М. Гафури
Национальный театр в Башкортостане появился в 1919 году. В его труппу тогда вошли артисты нескольких любительских объединений. Всю свою более чем столетнюю историю театр опирается на четыре основных направления в репертуаре: национальная литература, произведения русских классиков, современная российская драматургия и зарубежные пьесы. На сцене уфимского театра можно посмотреть и комедию, и драматический спектакль, и даже антиутопию.

Одна из самых популярных современных постановок на этой сцене — «Зулейха открывает глаза» по одноименному роману Гузели Яхиной. Ее создал режиссер Айрат Абушахманов. В 2019 году спектакль «Зулейха открывает глаза» получил театральную премию «Золотая маска».
Государственный национальный театр Карелии
Государственный национальный театр Карелии открылся в 1932 году. В его труппу принимали карельских, финских, русских актеров. Сейчас это единственный театр мира, где идут постановки на карельском, вепсском, финском и русском языках. Все иноязычные спектакли сопровождаются синхронным переводом.

В репертуар театра входят постановки по мотивам сказок и эпоса разных народов. Например, в основу пьесы «Сын-медведь» легли карельские волшебные сказки и песни. Кроме того, в театре можно посмотреть и классические спектакли по произведениям Александра Пушкина, Уильяма Шекспира, Карло Гольдони.

В 2014 году Чеченский драматический театр возглавила Хава Ахмадова — единственная в республике женщина-режиссер. Она поставила более 10 спектаклей: драму «Выше гор» по мотивам чеченских легенд, классическую комедию «Ханума», патриотическую постановку «В родном краю, на родном языке» и многие другие.
Бурятский государственный академический театр им. Х. Намсараева
В Улан-Удэ находится единственный в мире театр, где идут спектакли на бурятском языке. Основу репертуара составляет национальная драматургия, но входят в него и русскоязычные постановки.

Театр назван в честь бурятского драматурга Хоца Намсараева — знатока фольклора. За основу многих своих произведений писатель брал фольклорные сюжеты. Его пьесы и сейчас идут на сцене.

Один из самых известных спектаклей в репертуаре Бурятского академического театра — «Полет. Бильчирская история». Режиссер Сойжин Жамбалова поставила его по мотивам повести Валентина Распутина «Прощание с Матерой» и дополнила художественное произведение рассказами очевидцев о реальных событиях. Для этого группа постановщиков отправилась в творческую экспедицию в Иркутскую область: там раньше находились бурятские деревни, которые оказались затоплены во время строительства Братской ГЭС. Сойжин Жамбалова разыскала свидетелей тех событий и записала их рассказы, чтобы затем воплотить их на сцене.

Карельские сказки и якутский эпос: национальные театры России
В 1930-х годах в республиках СССР стали появляться национальные театры. Чаще всего они возникали на базе любительских трупп, но быстро становились профессиональными и популярными у публики. Сейчас такие театры сохраняют национальную культуру, литературу и традиции. А чтобы посмотреть спектакль, не обязательно знать местный язык: постановки сопровождаются синхронным переводом на русский.
Татарский государственный академический театр им. Г. Камала
В Казани работает один из старейших национальных театров России. Датой его основания считается 22 декабря 1906 года: в этот день любительская студенческая труппа впервые публично сыграла на татарском языке пьесы «Беда из-за любви» и «Жалкое дитя».

Первую профессиональную труппу для казанского театра собрал учитель из Оренбурга Ильяс Кудашев-Ашказарский. В 1907 году в нее пришла первая в мире актриса-мусульманка — Сахибжамал Гиззатуллина-Волжская. А еще год спустя знаменитый татарский поэт Габдулла Тукай дал театру имя «Сайяр», что означает «Передвижник». В 1939-м его переименовали в честь знаменитого татарского драматурга Галиаскара Камала.

Сейчас на сцене Татарского государственного академического театра идут пьесы знаменитых татарских драматургов: «Казанское полотенце» и «Голубая шаль» Карима Тинчурина, «Гульжамал» Наки Исанбета. Можно увидеть и классические постановки на Большой и Малой сценах: «Три сестры» Антона Чехова, «Записки сумасшедшего» Николая Гоголя, «Ханума» Авксентия Цагарели.
Чеченский государственный драматический театр им. Х. Нурадилова
Чеченский драматический театр официально открылся в 1931 году. Его создали на базе любительских кружков, в которых играли непрофессиональные актеры. До 1937 года спектакли ставил грузинский режиссер Арчил Чхартишвили. Затем в театр пришел работать первый режиссер-чеченец Гарун Батукаев. Его дебютный спектакль «Храбрый Кикила» пользовался невероятным успехом у публики: в зрительном зале не оставалось ни одного свободного места. Песни к постановкам Батукаева писали композитор Умар Димаев и классик чеченской поэзии Арби Мамакаев. Некоторые из них стали популярны в народе даже отдельно от спектаклей.

Во время войны театру присвоили имя Героя Советского Союза Ханпаши Нурадилова. А еще два года спустя жителей Чечено-Ингушской АССР депортировали в Казахстан и Киргизию, поэтому работу театра пришлось приостановить. Постановки возобновились только через 13 лет, в 1957-м.

"По сюжету одной пьесы муж должен был неожиданно войти в комнату, в которой неверная жена только что сожгла письмо от любовника.
Втянув воздух ноздрями, муж кричал, что он слышит запах жженой бумаги, и недвусмысленно интересовался тем,
что же такое секретное жгла его жена. Пойманная за руку неверная супруга со слезами во всем признавалась.
На премьере же, однако, сценический рабочий забыл зажечь свечу на столе перед тем, как занавес открыли.
Блудница долго металась по сцене, пытаясь понять, что же ей делать со злополучным письмом.
В конце концов, от безнадежности положения, разорвала его на мелкие клочки. Вошедший муж оглядел картину и,
после секундного замешательства, произнес: «Я слышу запах рваной бумаги! Сударыня, извольте объясниться!»"(с)

"В 1980 каком-то году Московский Драматический театр им. Пушкина поехал на гастроли в Индию.
В лавочке индийского портового городка супруга главного режиссера театра купила бриллианты и
тут же понесла и показывать друзьям. Бриллианты, естественно, оказались стекляшкой.
Тогда она вернулась к продавцу и пыталась предъявить какие-то претензии. Продавец «твоя моя — не понимай».
В следующий раз она взяла с собой мужа и опять пошла на базар менять бриллианты и с тем же нулевым результатом.
Главный режиссер обратился за помощью к реквизитору, который знал несколько слов на английском языке.
Они пошли уже втроем, но в лавке их опять не понимали. Реквизитор выбивался из сил, но — все бесполезно.
Отчаявшись, он стал ругаться трехэтажным матом.
Хозяин лавочки не знал русского языка, но хорошо помнил, что после этих слов русские матросы через мгновение начинали
безжалостно громить лавку. А это не входило в его планы. Поэтому он тут же все понял и поменять бриллианты на настоящие.
После этого главный режиссер всегда говорил про своего реквизитора: «Какой у него хороший английский!»"(с)

Когда-то много лет назад актриса театра им. Моссовета Галя Дашевская вышла замуж за нападающего футбольной сборной ЦСКА
Колю Маношина. В один из первых дней семейной жизни они оказались в ресторане Дома актера,
и Галя увидела за одним из столов великого актера Леонида Маркова. «Пошли, — потащила она Маношина, —
мы с Леней в одном театре работаем, я вас познакомлю!» Маношин упирался изо всех сил: «Да что я пойду, он меня знать не знает!
..» Но Дашевская все-таки дотащила Колю до Маркова: «Вот, Ленечка, знакомься: это мой муж!»
Уже сильно к тому моменту принявший Марков оглядел Маношина из-под тяжелых век и мрачно спросил: «Шестой, что ль?»
Коля, всю жизнь игравший под шестым номером, чуть не прослезился: «Гляди-ка, знает!!!»

Байка времен ефремовского "Современника". Алла Покровская рассказывала, что Ефремов так заразил своих актеров любовью
к системе Станиславского, что любые посиделки заканчивались дискуссиями именно на эту тему.
Однажды на гастролях в Румынии артисты собрались после спектакля в одном из гостиничных номеров.
Как водится, речь зашла о системе Станиславского. Калягин и Гафт заспорили о Системе, а Евгений Евстигнеев ,
наотмечавший окончание рабочего дня пуще всех, завалился на кровать и заснул.
В конце концов Гафт с Калягиным доспорились до того, что решили выяснить, кто лучше сыграет этюд на "Оценку факта".
Фабулу придумали такую: у кабинки общественного туалета человек ждет своей очереди. Ждет так долго, что не выдерживает,
выламывает дверь и обнаруживает там повешенного. Не поленились, соорудили повешенного из подушки и поместили его в
стенной шкаф. Один сыграл неподдельный ужас и бросился с криком за помощью, другой, представив возможные неприятности,
тихонько слинял, пока никто не увидел... Оба сыграли классно. "Судьи" в затруднении. Тогда решают разбудить Евстигнеева и
посмотреть, что придумает он.
Растолкали, уговорили, объяснили ситуацию... Евстигнеев пошел к шкафу. Уже через секунду весь номер гоготал,
видя как тот приседает, припрыгивает перед дверцей стенного шкафа, стискивая колени, сначала деликатно постукивает в дверь
"туалета", потом просто барабанит. Наконец, доведенный до полного отчаяния, он рвет на себя дверь, видит "повешенного",
ни секунды не сомневаясь, хватает его, сдирает вместе с веревкой, выкидывает вон, и заскочив в туалет,
с диким воплем счастья делает свое нехитрое дело, даже не закрыв дверь!
Громовой хохот, крики "браво", и единогласно присужденная Евстигнееву победа. Артист раскланялся и рухнул досыпать.

В Санкт-Петербурге открылся Первый фестиваль спектаклей с тифлокомментированием
До конца марта в Санкт-Петербурге проходит Первый фестиваль спектаклей с тифлокомментированием. Проект стал итоговым этапом работы Школы театрального тифлокомментатора, которая прошла на базе Института специальной педагогики и психологии им. Р. Валленберга при поддержке Фонда культурных инициатив.
В фестивале принимают участие четыре театра: Театр эстрады им. А. Райкина, Санкт-Петербургский государственный Молодежный театр на Фонтанке, Санкт-Петербургский академический театр им. Ленсовета и Государственный драматический театр «На Литейном». Они представят девять разножанровых спектаклей для зрителей разных возрастов.
Открылся фестиваль постановкой «Три апельсина» от Театра эстрады. Также Театр эстрады покажет спектакль по мотивам рассказов Антона Чехова «Крокодил души моей» и мюзикл «Бармалей», основанный на сказках Корнея Чуковского.
Театр «На Литейном» представит постановку «Антарктида» о трех полярниках и якутской лайке на советской антарктической станции и комедию «Странная миссис Сэвидж» о новой пациентке сумасшедшего дома.

В Театре им. Ленсовета пройдут показы спектакля «В этом милом старом доме» по пьесе Алексея Арбузова и постановки «Фальшивая нота», завязкой которой станет интригующее столкновение двух характеров.

Молодежный театр на Фонтанке представит экспрессивный спектакль «Семья Сориано, или Итальянская комедия» и постановку «Наш городок», действие которой разворачивается в провинциальном американском городке начала ХХ века.

При подготовке к фестивалю организаторы не только провели обучающие мастер-классы для театральных администраторов, билетеров и гардеробщиков, но и подготовили специальную инклюзивную полиграфию: создали афиши и программки, одинаково интересные и понятные для зрячей и незрячей аудитории.

Муж приходит с работы и говорит жене:
- Собирайся! В театр идем!
Она с радостью и изумлением спрашивает:
- В какой? В Большой?
- Не беспокойся, поместишься...

Театр уж полон; ложи блещут;
Партер и кресла, всё кипит;
В райке нетерпеливо плещут,
И, взвившись, занавес шумит. (А. Пушкин)

Играть при полном и сочувствующем вам зрительном зале - то же, что петь в помещении с хорошей акустикой.
Зритель создает, так сказать, душевную акустику. Он воспринимает от нас и, точно резонатор,
возвращает нам свои живые человеческие чувствования. (К. Станиславский)

Для проверки правильно или нет играют актеры надо поставить толстое стекло между ними и залом, если залу не слышно,
но понятно, следовательно, они играют правильно. (А. Эфрос)

«Семейка Аддамс»
Тюменский драматический театр на Основной сцене Театра имени А. С. Пушкина, 5 апреля

Большой из Тюмени — бренд в мире драматического театра, его артисты известны и в кино. Но наглости поставить знаменитый бродвейский мюзикл, не имея в труппе профессиональных музыкантов, театр набрался впервые. В результате «Семейка Аддамс» стала одним из рекордсменов «Золотой маски» — она выдвинута в девяти номинациях. У этих странных Аддамсов дочь гуляет с арбалетом, сыночек кайфует на электрическом стуле, бабушка вместо чая принимает капли яда, а отец семейства до ужаса гордится родней.

источник:журнал Вог

«Богатыри»
Красноярский театр оперы и балета в Малом выставочном зале Центра дизайна «Artplay», 1 апреля
Каждый школьник знает, что композитор Александр Бородин — автор единственной оперы. Но в Красноярске напомнили: это — ошибка. Его «Богатыри», как и хрестоматийный «Князь Игорь», остались при жизни незавершенными. Это предопределило их сценическую судьбу, вернее, ее отсутствие: фарс ставился всего дважды — в 1867-м и в 1936 году. Оба раза он был запрещен — первый Александром II, следующий — Вячеславом Молотовым. Но в искусстве трудная судьба украшает. Режиссер Сергей Бобров соединил в «Богатырях» миры легендарный и исторический, лубочный и репинский, за полтора часа позволяя проскакать по полям отечественной истории через императорскую Россию, сталинский СССР, ельцинскую Россию.

«Конек-горбунок»
«Урал Опера Балет», 3 апреля (прямая трансляция)

История балета по сказке Ершова длиннее, чем у «Лебединого озера». На Императорской сцене именно он отвечал за национальный дух и патриотизм, почти сто лет оставаясь любимцем публики. Хореографы Вячеслав Самодуров и Антон Пимонов решили разобрать тот старый механизм по винтику, чтобы выяснить, как был сконструирован хит. Но задор и радостное хулиганство, которыми известны эти уральские хореографы, по дороге скорректировали идею. Вместо реконструкции старинного спектакля вырос новый, в котором ведущими сказки оказались рэперы из группы EK-Playaz Наум Блик и T-Bass. Сам балет в невероятном оформлении Анастасии Нефедовой («Электротеатр Станиславский») признали невыездным — шутка ли, 18 фур декораций. Но, возможно, еще и потому, что его главным героем стал наделенный чудесной силой уральский народ — хореограф Артур Сен-Леон в середине XIX века свято верил, что такой существует, а Самодуров с Пимоновым не стали развенчивать миф. И без поддержки этого самого «народа» екатеринбургский спектакль может потерять волшебные флюиды.

«Кармен»
Пермский театр оперы и балета на сцене Музыкального театра имени К. С.
Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, 11 марта

Если на афише появляется имя Константина Богомолова, то и название спектакля, и имя композитора вынуждены отойти на второй план — ничего похожего на хрестоматийный сюжет и традиции ждать не приходится. Неудивительно, что и Севилья отныне располагается в координатах Одессы, на календаре не расцвет романтизма, а суровые 1910–1920-е с революцией и Гражданской войной, Хозе — русский солдат, а Эскамильо — звезда немого кино. Богомолов вытряхивает из легендарной оперы ее привычные смыслы. Впрочем, и Бизе своевольно обошелся с новеллой Мериме, положенной в основу оперы.

«Плот Медузы»
Воронежский Камерный театр на сцене Центра имени Вс. Мейерхольда, 23 марта

Во время пандемии хореографа Павла Глухова вдохновила картина Теодора Жерико «Плот Медузы», одно из самых известных полотен эпохи романтизма. История потерпевшего кораблекрушение фрегата превратилась в танцевальном спектакле в столкновение двух стихий — природной и человеческой.

7 главных спектаклей фестиваля «Золотая маска»

«Байка». «Мавра». «Поцелуй феи»
Мариинский-2, 11 февраля

Этот четырехчастный спектакль Максима Петрова (в нем вместе с названными фигурирует еще и фортепианный цикл «Пять пальцев») приписан к балетному конкурсу. Но пение и танец представляют в нем неразрубаемый клубок, что становится трендом в современном театральном мире. Маленькие одноактные спектакли встраиваются в большой петербургский миф, где Пушкин с его «Домиком в Коломне» сплетается с дуэтом Дягилева и Стравинского. Их образы уносят невозможно красивые снежные клубы «Поцелуя феи», вызывающего еще одну петербургскую тень — Чайковского, мотивы которого звучат в этом балете.
«Любовь издалека»
«Урал Опера Балет» на Новой сцене Большого театра, 8 марта

Послания трубадура и графини, преодолевающие опасности морского пути, куртуазная любовь, не знающая личного знакомства, — это не классический балет в пачках. Свои оперы наша современница Кари Саариахо любит упаковывать в исторические сюжеты. Но говорят они о том, что между средневековыми героями и нами расстояние гораздо короче, чем между Аквитанией и Триполи. Вероятно, поэтому Саариахо одна из тех композиторов, которые соперничают в популярности с классиками. Уральский театр первым в России поставил ее оперу — вслед за Зальцбургским фестивалем и Метрополитен-оперой.

Он ей очень нравился. Она позвонила ему и сказала, что у неё есть два билета в театр. Билеты сейчас дорогие.
Он пошёл с ней. У театра она сказала, что пошутила, что нет у неё никаких билетов.
Он честно сказал: «Вас сейчас оставить или проводить куда?» Она сказала: «Оставьте сейчас». И он ушёл.
А билеты у неё, конечно, были...
Михаил Михайлович Жванецкий

Песочный театр Solo

Детям, как особым почитателям песка, этот театральный формат будет особенно интересен. Ведь здесь с этим сыпучим материалом можно не просто играть. В стенах этого театра песок оживает, превращаясь в удивительные, ни на что не похожие истории. К тому же, при большом желании, каждый из ребят может сам попробовать себя в роли художника, нарисовав свою собственную историю. В программе театра детские спектакли «Хорошо и плохо», «Приключение спички», «Happy End» и еще масса всего интересного.

Однако не стоит забывать, что песочный театр - необычный проект, поэтому и правила пребывания в нем особенные. Это нужно знать: гости, опоздавшие на спектакль, в зал не допускаются; во время спектакля можно покинуть зал, но вернуться уже нельзя. Мотайте на ус!

источник:сайт летидор

Театр «Преображение»

Представьте себе спектакль без единого слова. Возможно ли это? Да, если это театр пластической драмы. Здесь для разговора по душам не нужен голос, для этого используются другие, не менее эффективные инструменты: жесты, мимика, взгляды и телодвижения. Такой язык настолько эмоционален и богат, что необходимость в слове отпадает сама собой.



Каждый спектакль в «Преображении» можно считать уникальным, не похожим на любой другой. Поскольку на этих театральных подмостках главный прием - импровизация: все образы и характеры героев рождаются спонтанно, прямо перед зрителем, без предварительной договорённости, либо в рамках заданной темы.

Это особенно нравится детям, спектакли для которых, как правило, интерактивны. В «Преображении» юные зрители увидят историю веселого клоуна, превращающегося, то в бабочек, то в змей, кошек, или в воздушные шарики. А могут познакомиться и с Кощеем Бессмертным. В ходе спектакля ребята могут попробовать свои силы в искусстве пластики.

Театр живых кукол «2 КУ»

Можете считать это чудом, но они живые! Это мы про кукол, обитающих в удивительном театре «2КУ». В этом театре необычно все. Купить билет здесь можно лишь перед спектаклем, при этом цену новоявленный зритель определяет сам. При входе в театр гостей ждут куклы, которые развлекают зрителей вплоть до третьего звонка. Эти забавные, смешные и немного нелепые создания будут встречать вас при входе, продавая билеты, а после совершенно спокойно заведут разговор о погоде. Спектакли здесь настолько трогательны и красивы, что способны вызвать шквал положительных эмоций даже у искушенной публики. В такие моменты зритель напрочь забывает о том, что перед ним всего лишь кукла…

Детский интеграционный театр «Куклы»

В театре «Куклы» интеграция имеет особое значение. Это театр где «обычные» дети сопереживают и смеются наравне с теми, чьи возможности ограничены. Это возможно, поскольку «Куклы» - одно из немногих мест в столице, где идут спектакли для слабослышащих зрителей: спектакли «Мир тишины», «Черное и белое» идут без слов, остальные - сопровождаются сурдопереводом.

Кроме того, само помещение театра устроено таким образом, чтобы максимально учесть потребности «особой» публики: здесь широкие дверные проемы, совсем нет ступенек, а вместо привычных кресел зал украшают разноцветные пуфики.

Все детские спектакли включают в себя элемент интерактивности. Общаясь с актерами, находясь с ними в одном творческом пространстве, юные зрители учатся быть более терпимыми и чуткими по отношению друг к другу.

Интерактивный театр «Дом страха»

«Дом страха»… Возможно, одно название заставит ваше сердце биться чаще. Что до спектаклей, то это испытание для самых смелых… Ведь это не обычный театр. В этом доме, каждый спектакль - настоящий экшн, где дети становятся участниками действа, переживая массу ярких эмоций. Для каждого спектакля - свой возрастной ценз, соблюдение которого в ваших же интересах. Посетителям старше 9 лет (желательно в сопровождении взрослых) ведущий расскажет историю о том, почему дом называется страшным и что нужно сделать, чтобы его покинуть. Путешествуя вместе с ведущим из комнаты в комнату и выполняя задания, путешественники благополучно находят долгожданный выход. Для детей постарше (больше 12 лет) миссия усложняется еще и тем, что призрак дома начинает преследовать непрошенных гостей, появляясь в самый неожиданный момент и вставляя палки в колеса. В общем, развлечение не для слабонервных. Поэтому особо впечатлительным особам сюда вход воспрещен. Задания и программы подвижны и постоянно меняются.

Клоун-мим-театр «Мимигранты»

Здесь царствует смех. Это мир больших башмаков и клетчатых штанов. Это театр «Мимигранты». По утрам здесь особенно весело: перед каждым спектаклям юных зрителей развлекают клоуны, а с помощью аквагрима любой из гостей может превратиться в сказочного героя. Театр объединяет в себе сразу несколько театральных направлений: сказку, музыкальный номер и клоун-шоу.

Каждый спектакль «Мимигрантов» уникален удивительным пластическим мастерством актеров и интерактивной работой со зрителем. Участником представления может стать каждый. Для малышей здесь проходят кукольные спектакли. В репертуаре театра: «Лисичка со скалочкой», «Поросенок-самолетик», клоун-шоу «Чепуха в чемодане», спектакли-игры «Озорные выкрутасы», веселые фантасмагории «Планета чудес» и другие.

Государственный Московский театр иллюзии

Актеры здесь совершенно необычные. Где еще вы видели птиц и животных, исполняющих главные партии? Такое возможно лишь в театре иллюзии, где в основе каждого спектакля лежит трюк. Юных театралов здесь ждет «Шоу птиц» с пеликанами, воронами, попугаями, появляющимися будто ниоткуда. Самые разные птицы покажут зрителям удивительные номера и даже немного магии. «Парад аттракционов» - еще один спектакль, являющийся визитной карточкой театра. Здесь покажут магию и волшебство великих иллюзионистов XX века – Кио, Гудини, Соркара и Копперфильда. Люди, исчезающие на глазах, человек, парящий в воздухе – подобное не оставит равнодушным любого, даже самого предвзятого театрала. Как знать, может после таких спектаклей в столице появятся новые волшебники.

Театр «Тень»

Несмотря на название, этот театр не из тех, что остается в тени. Попав на спектакль однажды, вы поймете, почему эти ребята являются 9-кратными лауреатами премии «Золотая Маска».

Свой творческий путь театр начинал с теневых представлений. Правда, сейчас здесь идут в основном кукольные спектакли. К примеру, в самом «малом» зале Москвы (что рассчитан всего на 5 зрителей) регулярно проходят гастроли «Большого Королевского Лиликанского театра». Кто такие лиликане? Как, вы не знали? Это необычный народ с острова Миликар, жизнь которого совсем не похожа на нашу велипутскую (именно так они нас величают). Ведь лиликане живут искусством, а главное искусство для них - это театр.

Лиликанский спектакль играется максимум для 5 человек. Все начинается с чаепития, во время которого юные велипуты узнают много интересного о Лиликании. Затем всем участникам действа выдается лиликанская виза, чтобы туристы смогли попасть в эту волшебную страну. Кстати, все спектакли проходят на лиликанском языке, поэтому не забудьте о наушниках, чтобы слушать синхронный перевод. Одним словом в этом царственном месте маленьких театралов ожидает настоящая игра, от которой совершенно невозможно отказаться.

Но и это еще не все! Для всех тех, кто немного подустал от серых унылых будней, театр «Тень» предлагает «Скорую театральную помощь». Что это такое? На самом деле все просто. «Театральная помощь» - это театромобиль, способный настичь зрителя в любом месте. От такого искусства на колесах - не убежишь! И то правда… Кстати, сам проект получил народное признание, получив театральную премию «Золотая Маска» в 2013 г. Получить «скорую помощь» могут одновременно три человека. Именно столько вмещает в себя мобильная театральная ложа. Само представление занимает не более 10 минут. Дети смогут увидеть сказку о Желтом Карлике, принцессе и принце или спектакль «Три апельсина» в исполнении ведущих актеров лиликанского театра.

Необычные театры для детей
Театры с классическим репертуаром, безусловно, всегда будут пользоваться спросом. Но, согласитесь, порой хочется посмотреть на что-нибудь этакое! Тем более, что есть множество театров, не признающих общепринятых рамок. «Летидор» и проект «Город для детей» составили маршрут по самым необычным театральным подмосткам страны.

Москва
Театр вкуса
Что объединяет театральное искусство и изысканную трапезу? Конечно же, «Театр Вкуса» - первый и единственный в Москве кулинарный театр. В этой творческой лаборатории еда занимает особое место. Основная идея театра в том, что кухня в доме - это место, где живут настоящие и неподдельные истории. В случае с театром вкуса, речь идет о кулинарных историях со всего мира: здесь и рассказы итальянских бабушек, и секреты французских кулинаров и, конечно, истории родного края.

Удивительно то, что в этом театре совсем нет зрителей. Каждый ребенок, перешагнувший порог театра, становится полноценным актером и может примерить на себя различные роли: мышонка, итальянского шеф-повара или китайской принцессы. Организаторы проекта утверждают, что «Театр Вкуса» - это не только еда, но и возможность почувствовать вкус ко многим вещам: литературе, музыке, да и просто живому общению. Приобрести билеты на спектакли можно в клубе «Мастерская» – партнёрской площадке театра.

Как Смоктуновский получил роль Деточкина

Многие не знают, что главную роль в известном фильме «Берегись автомобиля» режиссера Эльдара Рязанова изначально предполагалось отдать Юрию Никулину. Но он был на гастролях и не мог сниматься. Тогда Рязанову был предложен на главную роль Леонид Куравлёв, но режиссер решил, что сниматься будет Иннокентий Смоктуновский.

Практически вся команда Рязанова была уверена, что Смоктуновский откажется от съемок. Так и вышло. Он отказался. Он уже был известнейшим актером, сыграл Гамлета, а тут какая-то непонятная личность, ничем не примечательный Юрий Деточкин.

Тогда хитрый Рязанов приехал к Смоктуновскому на дачу и долго там его уговаривал. У него получилось, но он еще взял со Смоктуновского расписку, что тот будет сниматься в этой роли.

После этого люди, встречающие на «Мосфильме» обритого наголо Смоктуновского, с ужасом спрашивали, кто его так обрил. «Рязанов», - скромно отвечал тот и удалялся на съемку в павильон.

Как правило, актеры в театре не учат наизусть тексты, которые по роли можно читать с листа. Иногда это обстоятельство играет с ними злую шутку. Так, в одном спектакле на сцену вбежал гонец и передал королю письмо со словами:
— Ваше Величество, вам письмо!
Король разворачивает свиток и — о, ужас! — текста там нет (коллеги подшутили). Но артист был опытный, поэтому, возвращая свиток гонцу, сказал:
— Читай, гонец!
Актер, исполняющий роль гонца, тоже был не лыком шит и вернул письмо королю со словами:
— Неграмотен, Ваше Величество!

Артем Галушин
Артем Галушин закончил режиссерский факультет ГИТИСа в 2012 году. Его преподавателями были Евгений Каменькович и Дмитрий Крымов. После выпуска Галушин несколько лет работал режиссером-постановщиком в московском «Ведогонь-театре», создал там спектакли «Умная собачка Соня» и «Дон Жуан, или Каменный пир».

В 2018 году Артем Галушин поставил в Канском драматическом театре инсценировку произведения «Господа Головлевы» Михаила Салтыкова-Щедрина. Спектакль вошел в конкурсную программу «Уроков режиссуры», а Галушина назначили главным режиссером Канского театра.

В программе «Уроков режиссуры — 2021» режиссер представил свою новую работу — «Лирические истории из жизни Ежика и Медвежонка» по рассказам писателя Сергея Козлова. Соавтором Галушина стала художница Ютта Рютте, а саму постановку сравнивают со знаменитым мультфильмом Юрия Норштейна «Ежик в тумане».
статью подготовила Ольга Егошина и Ирина Кирилина

Дмитрий Зимин
Дмитрий Зимин окончил театральное училище в Екатеринбурге в 2011 году и сразу поступил актером в Свердловский академический театр драмы. Уже через шесть лет его назначили режиссером-постановщиком. Местная пресса вскоре назвала Зимина «главной театральной надеждой Урала».

Сейчас на екатеринбургской сцене идут 12 спектаклей Дмитрия Зимина. В их числе — «Отцы и дети» Ивана Тургенева, «Кроткая» Федора Достоевского, «Пассажиры» Владимира Набокова, «Синяя птица» Мориса Метерлинка. А действие одной из постановок разворачивается не на сцене, а в театральном лифте.

В программе фестиваля «Уроки режиссуры» Зимин участвовал дважды — в 2017 и 2019 году. Он представил спектакли по классическим произведениям Федора Достоевского и Ивана Тургенева, но критики отметили, что в постановках Зимина классика перекликается с современностью и поэтому звучит актуально и в наши дни.

Айдар Заббаров
Когда Айдар Заббаров учился на старших курсах ГИТИСа, режиссер Юрий Бутусов предложил ему создать постановку по повести Льва Толстого «Казаки». Спектакль под названием «Беглец» показали в Театре Ленсовета, а в 2019 году он вошел в конкурсную программу фестиваля «Уроки режиссуры». Сейчас постановки Заббарова идут не только в Театре Ленсовета, но и в МХТ им. Чехова и Татарском государственном академическом театре в Казани.

В программу фестиваля «Уроки режиссуры — 2021» вошел документальный спектакль Айдара Заббарова «Я не вернусь». Основой для него стали фрагменты из интервью с жителями маленьких татарских деревень. Режиссер сам собирал их вместе с журналисткой Гульчачак Шайхутдиновой. Из историй множества людей и их семей сложилась постановка в жанре вербатим, действие которой разворачивается в деревенском клубе. Герои рассказывают о своей жизни, размышляют о татарской культуре, поют и танцуют под мелодии гармони.

Семен Серзин

После школы будущий режиссер Семен Серзин сначала поступил в Мурманское мореходное училище, но уже через год решил переехать в Петербург и учиться в Академии театрального искусства. Там он попал на курс Вениамина Фильштинского, который окончил в 2011 году. Еще во время учебы Серзин начал преподавать в театральном центре «Легкие люди».

Сейчас спектакли Семена Серзина идут на театральных сценах Москвы, Перми, Ярославля, Омска и других российских городов. В 2019 году молодой режиссер получил премии за спектакль «Собачье сердце» на Фестивале малых городов России и за постановку «Человек из Подольска» на фестивале «Уроки режиссуры». Год спустя Серзина наградили уже как композитора — за музыку к фильму «Человек из Подольска». Сейчас Семен Серзин не только ставит спектакли, но и сам играет в них, снимается в кино и пишет музыку.

Егор Перегудов
Первое образование Егор Перегудов получил в Московском государственном лингвистическом университете, несколько лет работал переводчиком-синхронистом с английского и немецкого языков. Этот опыт пригодился ему и в театре: Перегудов перевел для Московского драматического театра им. Пушкина две пьесы Бертольта Брехта, а для Московского театра Олега Табакова адаптировал произведение норвежско-датского писателя Людвига Хольберга «Йеппе с горы».

В ГИТИСе Егор Перегудов учился у знаменитого режиссера Сергея Женовача. От преподавателя он перенял интерес к отечественной и зарубежной классике. В разные годы Перегудов поставил на театральной сцене произведения Александра Островского, Ивана Тургенева, Уильяма Шекспира и Габриэля Гарсиа Маркеса. Однако режиссер не обходит вниманием и современных авторов. Его постановка «Загадочное ночное убийство собаки» считается одним из лучших прочтений пьесы Саймона Стивенса на современной российской сцене.

Сейчас Егор Перегудов ставит спектакли в «Современнике», «Сатириконе», Студии театрального искусства, МХТ им. Чехова. В 2018 году он стал главным режиссером Российского академического молодежного театра.

журнал элли

Сын знаменитого советского режиссера Анатолия Эфроса смог перебороть в себе страх оказаться в тени отца и прославился собственным трудом и талантом. Дмитрий Крымов любит в работе обращаться к классическим произведениям, особенно если говорить о русской литературе; хотя он достаточно вольно работает с текстом и «тканью» исходного материала, содержание остается неизменным. За этот трепетный и в то же время смелый подход к делу его любят как сторонники классического театра, так и поклонники экспериментов. Психологическая достоверность спектаклей Крымова всегда восхищает: убедительности его постановкам не занимать.

Спектакли Константина Богомолова могут нравиться далеко не всем, но это, в общем, обычно не сильно волнует самого автора: о зрителе театральный режиссер не слишком трепетно заботится, ставя свое понимание искусства во главу угла. Он может себе позволить то, что другие постеснялись бы сделать: например, в недавнем спектакле «Волшебная гора» в Электротеатре Станиславский в первые 40 минут действия не происходит ровным счетом ничего, только слышны покашливания актеров. Конечно, многих это раздражает, но у Богомолова давно сложилась своя публика, которая его боготворит, ну а все театральное сообщество к нему относится с должным уважением. Билеты на его спектакли лучше покупать заранее, а также стоит быть готовыми к экспериментам — никогда не знаешь, что непредсказуемый режиссер придумает на этот раз и чем удивит публику.

Несмотря на солидный возраст — Льву Додину 74 года, — театральный режиссер продолжает активно заниматься творчеством и создавать новые спектакли. Среди последних его работ — постановка «Пиковая дама» в Большом театре; также он продолжает оставаться художественным руководителем петербургского Театра Европы. Додин в равной степени занимается и классическими театральными спектаклями, и оперой. За долгие годы работы он создал свой метод взаимодействия с актерской труппой: по его убеждению, хорошая постановка возможна лишь в том случае, если труппа является своеобразным единым организмом, большой семьей. Актеры — это «коллективный художник», и чем лучше они между собой взаимодействуют, тем полезнее для спектакля.

Режиссер, почерк которого можно безошибочно узнать, придя на спектакль. В своих постановках Юрий Бутусов чаще всего обращается к классическим произведениям — текстам Шекспира, Чехова, Брехта: расщепляя исходный материал до атомов, он буквально «выращивает» из него новые смыслы и новые образы. При этом для режиссера важно, чтобы зритель был эмоционально вовлечен в происходящее на сцене: для достижения этого эффекта он делает ставку на необычную сценографию и продуманный запоминающийся саундтрек. Вообще же Бутусов утверждает, что его постановки созданы отнюдь не для развлечения: зритель, пришедший на его спектакль, должен быть готов думать и размышлять над вопросами, которые ставит режиссер. За свое мастерство он неоднократно становился лауреатом театральных премий, в том числе «Золотой маски».

Признание таланта Кирилла Серебренникова давно не ограничивается Россией — его знают и любят во всем мире, доказательством чему являются многие театральные награды, которые он получил в разных странах. Обладатель французского Ордена Искусств и литературы степени командора, он зарекомендовал себя как бескомпромиссного художника: его спектакли всегда становились значимым культурным событием и вызывали острые дискуссии. Художественный руководитель «Гоголь-центра» оказался и прекрасным кинорежиссером: фильмы «Ученик», «Изображая жертву» и «Лето» по праву считаются одними из лучших лент в современном отечественном кинематографе. Будем надеяться, что в скором времени Серебренников вернется к активной творческой работе и мы сможем увидеть новые постановки признанного мастера.

ВИКТОР РЫЖАКОВ
Востребованный театральный режиссер и профессор школы-студии МХАТ регулярно дает мастер-классы как в России, так и за рубежом: в США, Германии, Польше и Венгрии. Он является лауреатом многих престижных премий (в том числе «Золотой маски»), а также одним из тех, кто «открыл» публике Ивана Вырыпаева, теперь уже знаменитого российского драматурга. В 2012 году Рыжаков стал художественным руководителем Центра им. Вс. Мейерхольда, а с июня 2016-го — художественным руководителем театра «Июльансамбль». Его постановки регулярно собирают полные залы. Интересно, что, в отличие от многих представителей современного театра, Рыжаков чаще всего опирается не на сложную сценографию, а на безупречные актерские работы: в его спектаклях можно услышать самые пронзительные и запоминающиеся актерские монологи на современной театральной сцене.

Максиму Диденко, известному не только в России, но и за границей, словно удалось раскрыть важнейший для театрального режиссера секрет — как сделать свои постановки востребованными не только среди эстетов, но и среди обычных зрителей. Ловко сочетая элементы пластического и классического театров, внешне эффектную и сложную сценографию, Диденко смог найти путь к сердцу публики. Даже если зритель не захочет (или не сможет) расшифровать замысел театрального режиссера, ему все равно будет интересно следить за происходящим на сцене — хотя бы в силу зрелищности самого действия. Благодаря этому абсолютное большинство постановок Диденко пользуются успехом у публики и многие театры мечтают с ним посотрудничать. В числе его наиболее знаменитых работ — «Чапаев и пустота», (Театр «Практика»), «Конармия» (школа-студия МХАТ), «Пастернак. Сестра моя — жизнь» («Гоголь-центр»), «Цирк» (Театр Наций), «Беги, Алиса, беги» (Театр на Таганке). Кроме того, он являлся создателем первого в России иммерсивного шоу «Черный русский».

Главные по театру:

Выпускник Воронежского института искусств и ГИТИСа, Борис Юхананов на сегодняшний день является одним из главных представителей современного театра в России. Его первые постановки публика увидела в восьмидесятых, и с тех пор он создал более 40 спектаклей — и это не считая разнообразных перформансов и других арт-проектов. Юхананов знаменит своей смелостью: он часто экспериментирует с театральными формами и методами воздействия на зрителя, за что его любит интеллектуальная публика. Он не боится растягивать постановки на множество часов и даже дней, щедро добавлять в театр элементы оперы (и не только), а также уходить от привычного понимания фабулы как логической последовательности действий. Именно поэтому Электротеатр Станиславский, в котором он является художественным руководителем с 2013 года, стал настоящей Меккой для поклонников актуального искусства — прекрасного и по-своему бескомпромиссного.

Русский человек, как никто другой, заражен страстью к зрелищам. И чем более оно волнует и захватывает душу,
тем оно для него привлекательнее. Драму, где можно поплакать, пофилософствовать о жизни, послушать умные слова,
простой русский зритель любит больше, чем разухабистый водевиль, после которого уйдешь из театра с пустой душой.
Константин Сергеевич Станиславский

Увидеть, как новые технологии становятся частью театрального процесса предлагает спектакль «Робот Костя» по пьесе «Чайка» Антона Чехова. Медиа-художники, робототехники и режиссер представят зрителям синтез традиций и технических возможностей на сцене.

Независимая группа из Заполярья «Фрайдеймилк» представит на Форуме аудиовизуальный перформанс Nolanders. Это завораживающий кинематографический опыт, который отправляет зрителя в гипнотическое путешествие в дочеловеческую эру сквозь грохочущее индустриальное наследие. Проект родится на глазах зрителей в режиме реального времени с использованием предварительно подготовленных аудио и видео полевых записей, а также импровизационных техник синтеза звука и обработки видео.

В дни Международного культурного форума петербургские театры порадуют зрителей премьерами спектаклей из разных городов и стран. Так Франция привезет в Россию новый балет хореографа Анжелена Прельжокажа «Лебединое озеро». Классический балет и современный танец – область, в которой взаимосвязь российской и французской культуры, общие культурные коды наиболее очевидны. Костюмы для постановки создал российский дизайнер Игорь Чапурин.

Постановки гамбургского театра Thalia давно известны за пределами Германии. На сцене «Балтийского дома» Thalia покажет спектакль Hyperion, в котором популярный немецкий актер Йенс Харцер прочтет отрывки из единственного романа Фридриха Гельдерлина о Гиперионе, стремящемся к примирению красоты, природы и человека. А на сцене Детского театра танца Республика Корея представит постановку Boarding, в которой примут участие артисты Национальной труппы современного танца.

Театр на Васильевском предложит зрителям спектакль Александра Баргмана «Орфей спускается в ад», в котором он исследует истоки отравляющего людей зла. ТЮЗ им. Брянцева выпустит спектакль Александра Морфова «Антигона» по мотивам одноименных пьес Жана Ануя и Софокла. Повестка нового спектакля более чем актуальна: ведь «Антигона» – это манифест женской силы и смелости хрупкой героини.

К 130-летию Михаила Булгакова художественный руководитель Молодежного театра на Фонтанке выпустит спектакль о свободе творчества и взаимной ответственности творца, и общества «Кабала святош/Мольер». В Театре «На Литейном» в дни Форума состоится премьера спектакля «Женитьба Фигаро».

"Для тебя нет разницы между правдой и выдумкой. Ты всегда играешь. Эта привычка — твоя вторая натура. Ты играешь, когда принимаешь гостей.
Ты играешь перед слугами, перед отцом, передо мной. Ты не существуешь. Ты — это только бесчисленные роли, которые ты исполняла.
Я часто спрашиваю себя: была ли ты когда-нибудь сама собой или с самого начала служила лишь средством воплощения в жизнь тех персонажей,
которых ты изображала. Когда ты заходишь в пустую комнату, мне иногда хочется внезапно распахнуть дверь туда,
но я ни разу не решился на это — боюсь, что никого там не найду."(с) Сомерсет Моэм книга "Театр"

9 декабря 1999 года на основе студенческого театра МГУ открылся государственный театр МОСТ под руководством Евгения Славутина. Первые 10 лет труппа играла в помещениях университета. Затем в 2010 году МОСТ переехал в собственное здание на Большой Садовой улице.

В репертуар театра вошли классические пьесы российских и зарубежных драматургов, произведения современных авторов — трагедии, психологические драмы, лирические и авантюрные комедии. Спектакль «Поминальная молитва» по мотивам произведений Шолом-Алейхема и Григория Горина получил в 2018 году премию «Звезда театрала».

Автор: Ирина Кирилина

После революции 1917 года университетский театр закрыли на несколько лет. Только в 1924-м студенты МГУ поставили первый спектакль — «Власть тьмы» по одноименной пьесе Льва Толстого.

До середины ХХ столетия театр работал как любительская студия при клубе МГУ. В 1957 году его возглавил режиссер Ролан Быков. Он пригласил в труппу молодых актеров, которые впоследствии прославились на всю страну: Аллу Демидову, Ию Саввину и других. Быков преобразовал студенческий коллектив в профессиональный театр, ввел гонорары для актеров и билеты на спектакли, которые раньше были бесплатными.

В 1959 году Быков стал главным режиссером театра «Ленком» и ушел из университетской студии. Вместо него спектакли ставили Петр Васильев, Леонид Варпаховский, Николай Петров, Марк Захаров. Студия работала до 1969 года, затем ее закрыли по распоряжению парткома МГУ.

Студенческий театр при университете вновь появился только в 1981 году. Его главным режиссером стал Евгений Славутин. Он одним из первых начал сотрудничать с драматургом Виктором Коркией. В 1988 году в репертуаре театра появилась пьеса этого автора «Черный человек, или Я, бедный Сосо Джугашвили».

Главными героями спектакля были Иосиф Сталин и Лаврентий Берия. Произведение выглядело чересчур смелым даже для времен перестройки, но худсовет МГУ разрешил поставить пьесу на сцене. После выхода спектакля в прессе появилось множество положительных отзывов.

В 1990-х годах Евгений Славутин обратился к жанру театрального кабаре. Первым спектаклем этого направления стала постановка «Синие ночи ЧеКа». Труппа представила его на Эдинбургском театральном фестивале, где постановку восторженно приняли европейские зрители и журналисты.

Это особый театр. Он явился уникальной творческой площадкой, на которой жила и развивалась неформальная режиссура. Режиссура, которая сказала свое слово. Благодаря этой творческой площадке Марк Захаров прогремел своим спектаклем «Дракон» по Евгению Шварцу. Благодаря ей появился Роман Виктюк. Здесь были и Фоменко, и Райхельгауз, и другие. Здесь люди могли получить Имя!»
Из речи Ролана Быкова на вечере в честь 40-летия студенческого театра МГУ

В 1758 году в Москве открылся «Оперный дом», которым руководил итальянский оперный певец и антрепренер Джованни Баттиста Локателли. В дни, когда основная труппа не выступала, студентам разрешили играть на его сцене. Первым спектаклем, который они поставили в «Оперном доме», стала пьеса Марка Антуана Леграна «Новоприезжие». По договору с основателем университета Иваном Шуваловым Локателли не только предоставлял студентам сцену, но и обучал их актерскому мастерству.
В начале 1762 года умерла императрица Елизавета Петровна. В России объявили долгий траур, и представления Московского театра прекратились. Только в 1766 году Екатерина II распорядилась восстановить труппу. Спектакли сначала шли в Головинском оперном доме в Лефортово, затем для театра построили здание на Знаменской улице в Москве.

В феврале 1780 года, во время спектакля «Дмитрий Самозванец», в театре начался пожар. За несколько часов деревянное строение выгорело дотла. Из публики и актеров никто не пострадал. В том же году по распоряжению руководителя театра английского инженера Майкла Меддокса построили новое каменное здание на Петровке.

По месту расположения театр стали называть Петровским. В его труппу вошли некоторые выпускники Московского университета — Андрей Ожогин, Петр Плавильщиков, Иван Калиграф. В 1825 году на основе Петровского театра возникли два новых: Большой и Малый.

С конца XVIII столетия и весь XIX век в Московском университете продолжали ставить спектакли, но для небольшого круга зрителей: в основном на них приходили сами студенты, их друзья и родные. Труппу содержали на средства, которые собирали профессора и учащиеся, и на добровольные пожертвования публики.

Любительская труппа при Императорском Московском университете появилась вскоре после его открытия и стала первым публичным театром в городе.

Небольшой студенческий коллектив, который играл первые спектакли для преподавателей и родственников, положил начало двум самым известным российским театрам — Большому и Малому. В нем дебютировали знаменитые артисты XVIII–XIX веков: Иван Калиграф, Егор Залышкин, Андрей Ожогин.

Изучаем историю театра МГУ — от постановок XVIII столетия до театра МОСТ, который открылся в Москве в 1999 году.

Студенческий театр при Императорском Московском университете появился в 1756 году. Согласно сведениям из «Ученых записок Московского университета», его основали, чтобы дать учащимся «новое поприще к развитию и образованию их способностей в декламации и мимике, в переводах, подражании и сочинениях».

Любительскую труппу набрали из числа студентов и учеников университетской гимназии. В первых постановках играли поэт Ипполит Богданов, драматург Денис Фонвизин, писатель и этнограф Михаил Чулков. Театром руководил писатель Михаил Херасков, который в то время служил в университетской канцелярии.

Все женские роли в спектаклях сначала играли юноши. Но уже в 1757 году в газете «Московские ведомости» появилось объявление: «Женщинам и девицам, имеющим способность и желание представлять театральные действия, также петь и обучать тому других, явиться в канцелярии Московского Университета». В труппу вступили первые профессиональные актрисы в России — Татьяна Троепольская и Авдотья Михайлова.

В репертуар театра входили как российские, так и зарубежные произведения. Студенты ставили пьесы Александра Сумарокова и Михаила Ломоносова, переводили французские и итальянские оперы и комедии.

В конце 1757 года при Московском университете открылись художественные классы, где обучали актеров для труппы. Там получили образование в будущем известные артисты Егор Залышкин, Иван Калиграф, Андрей Ожогин. Кроме того, на нескольких специальных отделениях готовили художников-декораторов, музыкантов и оперных певцов.

Первыми зрителями университетского театра были студенты, преподаватели и их родственники. Спектакли проходили в сенях университетского дома у Воскресенских ворот. Труппа выступала и на ярмарках, участвовала в пасхальных и масленичных гуляньях.

Театр им.Ленсовета приглашает на постановку "Ревизора" Гоголя.Я смотрела этот спектакль два раза и оба раза мне было комфортно с
актерами.Мы понимали друг друга.В сентябре тоже сходила и получила гамму эмоций.Мне очень импонирует,что постановщик-режиссер
спектакля Сергей Федотов(художественный руководитель пермского театра " У моста") психологически витиевато,а самое главное
бережно относится к литературе Гоголя.Остов и мистика сохранены,традиционные моменты тоже и сценография тоже выдержана.
Есть пару моментов,где абсурдические нотки проскользнули и они были на пользу общему впечатлению от спектакля.Очень достойная
постановка.Питерцы,рекомендую.

– Нина Мамиконовна, ваше амплуа определилось сразу? – А куда деваться? Характерная актриса, армянка, старуха…
А на другое я и не рвалась. На героиню, безусловно, не тянула. В общем-то, мне все интересно, потому что это работа.
В любом эпизоде я довожу свой образ – порой очень мучительно – до завершения, чтобы попасть в яблочко.
В «Забавах Дон Жуана» у меня три роли, три выхода, и пришлось очень сильно помучиться, чтобы спектакль пошел легко.
Зато как это интересно! Большие роли у меня тоже были, но чаще – в проходных спектаклях. То режиссура подводила,
то пьесы попадались слабые. А в целом я свое место знаю, я актриса эпизода. Из этих эпизодов и сложилась вся моя театральная жизнь.
Нина Мамиконовна Тер-Осипян

В 1980 году Райкину вручили Ленинскую премию, а через год он стал Героем Социалистического Труда. Тем не менее отношения артиста с властями Ленинграда ухудшались. Он обратился к генеральному секретарю СССР Леониду Брежневу с просьбой перебраться в Москву вместе с театром. Генсек разрешил переезд.

В столице театр переименовали в Государственный театр миниатюр, которому в апреле 1987 года дали имя «Сатирикон». Почти сразу после переезда здесь поставили новый спектакль «Лица», позднее — «Мир дому твоему» по тексту сатирика Семена Альтова. Но Райкина покидали силы: он часто болел, терял память. Последние его гастроли прошли в Америке в сентябре 1987 года.

Обстоятельства этой поездки были уникальны. Я такого раньше никогда не видел и, наверное, не увижу. Представьте освещенный зал на две с половиной тысячи мест. И все до одного стоя рыдают. Плачут навзрыд и взрослые, и дети. В зале стоял стон. И мы на сцене тоже плакали. Мы чувствовали, что все родились на одной земле и тысячи нитей нас связывают… Отец был счастлив.
Из воспоминаний сына Константина Райкина

В ноябре этого же года Райкина положили в Кунцевскую больницу. Он шел на поправку, готовился к выписке, планировал программу на предстоящее 50-летие театра. Но 17 декабря 1987 года Аркадий Райкин ушел из жизни. Артиста похоронили на Новодевичьем кладбище Москвы.
статья с сайта Культура

В 1961 году Райкин сыграл первую интермедию Жванецкого «Разговор по поводу». Через три года они вместе создали новую театральную программу «Светофор», где сатирик исполнил знаменитые миниатюры «Авас», «Дефицит», «Век техники», «В греческом зале».

Монологи Райкина были остро сатирическими, но оставались корректными по отношению к власти. Жестко, но интеллигентно он высмеивал пороки людей и «издержки» политической системы: дефицит, бюрократию, блат. Несмотря на беспощадность образов, фельетоны Аркадия Райкина всегда нравились публике.

В 1968 году, после 33 лет работы на сцене, Аркадию Райкину присвоили звание народного артиста СССР. Но в начале 1970-х судьба сыграла с артистом злую шутку. Очередной спектакль «Плюс-минус» по текстам Леонида Лиходеева и Михаила Жванецкого зрители, как всегда, приняли восторженно. Однако в правительственных кругах он вызвал резкую критику, и спектакль грозились закрыть. Райкину советовали уйти из профессии, запретили выступать в Москве и Ленинграде. Шумиха вокруг спектакля стоила артисту здоровья — у него случился инфаркт.

Несмотря на эти перипетии, народная любовь к творчеству Райкина не угасла. Не забывали о советском артисте и иностранные поклонники. О гастролях Театра Райкина писала польская, болгарская, немецкая и даже японская пресса. В Англии и Чехии создали фильмы, посвященные советскому юмористу.

Одна из самых больших заслуг Райкина состоит в том, что он представляет собой полную противоположность отвратительным, «смешным до тошноты» комикам, которых мы в таком изобилии импортируем из Соединенных Штатов. У Райкина есть что-то от Чарли Чаплина: удивительная способность живо и наглядно изображать эмоции, способность создавать образы, которые не нуждаются в пояснении. Он обладает даром проникать в самую глубь человеческих чувств… Мне никогда не приходилось видеть такой игры!
Из статьи критика лондонской газеты Times, 1970-е годы

Послевоенные выступления Аркадия Райкина на радио и телевидении, а также роли в кино публика принимала более чем благосклонно. Зрители оценили талант артиста в картине Михаила Калатозова «Валерий Чкалов» и фильме Михаила Слуцкого «Концерт фронту», в которых он снялся еще во время войны. Позднее вышли еще две ленты с его участием — «Мы с вами где-то встречались» и «Концерт артистов».

В Театре миниатюр тоже все шло хорошо. Вместе с сатириком Владимиром Поляковым Райкин создал новые театральные программы — «На чашку чая», «Не проходите мимо», «Откровенно говоря…» и спектакли «Приходите, побеседуем», «Любовь и коварство».

Театр Райкина, как определенный жанр эстрадного искусства, — это прежде всего, что бы там ни говорили, театр одного центрального актера. Я не хочу при этом обидеть его товарищей по работе, среди которых немало одаренных, интересных артистов, с большим искусством создающих необходимый выразительный фон, очень сложный игровой антураж для Райкина. Но все же несомненно, что Райкин сам по себе — это целый театр.
Из этюда писателя Льва Кассиля
Театр миниатюр под управлением Аркадия Райкина был одним из самых любимых у зрителей тех лет. На его сцене выступали признанные артисты эпохи: Леонид Утесов, Клавдия Шульженко, Александр Менакер, Вениамин Нечаев, Эдуард Хиль, Мария Пархоменко. Райкин приглашал и новых звезд, талантливых актеров молодежного театра «Парнас-2» из Одессы: Михаила Жванецкого, Романа Карцева, Виктора Ильченко, Людмилу Гвоздикову. К этому времени Райкин уже не работал с драматургом Поляковым, но в театре по-прежнему ставили спектакли «Человек-невидимка», «Белые ночи», «Любовь и три апельсина».

Никто не скажет: «Сегодня я иду на новый спектакль Ленинградского театра миниатюр». Каждый скажет: «Я иду на Райкина…»
Из рецензии на спектакль «Любовь и три апельсина» в «Литературной газете», 1960-е годы

а последнем курсе я как-то пришел в студенческую столовую и встал в очередь. Обернувшись, увидел, что за мной стоит она. Она заговорила первая, и этот разговор я помню дословно. «Вы здесь учитесь? Как это прекрасно!» — «Да, учусь… А что вы делаете сегодня вечером?» — «Ничего…» — «Пойдемте в кино?» Когда мы вошли в зал кинотеатра, заняли свои места и погас свет, я тут же сказал ей: «Выходите за меня замуж…»
В 1935 году Аркадий Райкин окончил Техникум сценических искусств и по распределению попал в Ленинградский театр рабочей молодежи. Но вскоре перешел в будущий Ленсовет, тогда еще Новый театр. В 1938 году он выступил как конферансье: заменил в ленинградском Саду отдыха заболевшего артиста. Привлекал молодого Райкина и кинематограф. Он снялся в двух фильмах — «Огненные годы» Владимира Корш-Саблина и «Доктор Калюжный» Эраста Гарина. На экраны обе картины вышли в 1939 году, но особого успеха не имели.

Аркадий Райкин полностью сосредоточился на эстраде. Он постоянно выступал в домах культуры, дворцах пионеров, вел конферанс. К 1939 году у артиста было два авторских танцевально-мимических номера — «Чаплин» и «Мишка». Он продемонстрировал их на Первом Всесоюзном конкурсе артистов эстрады в Москве и заработал первое признание аудитории и звание лауреата второй премии конкурса. Почти сразу Райкина пригласили в труппу нового Ленинградского театра эстрады и миниатюр, а через три года артист стал его руководителем.

Банкет по случаю 60-летия Сталина в 1939 году проходил в Георгиевском зале Большого Кремлевского дворца… Меня усадили за стол прямо напротив Сталина. Единственный сюжет, который мне предстояло показать, был заранее оговорен. Подбодренный взглядом юбиляра, я поднялся, отодвинул свой стул и изобразил одного из моих персонажей. Сталин смеялся, аплодировал с энтузиазмом. Затем встал, и все, кто был за столом, тоже встали. Сталин предложил тост за Райкина, и все выпили. Тут я возьми да скажи: «Товарищ Сталин, могу и других типов показать». Он вроде удивился, но кивнул. Гости уселись, а я стал показывать номер за номером. После каждого нового сюжета Сталин вставал, гости тоже хлопали в ладоши стоя. И так четырнадцать раз.
Из воспоминаний Аркадия Райкина
Во время Великой Отечественной войны Райкин сочинял сатирические миниатюры. Коллектив его театра выступал для солдат на полевых аэродромах, артиллерийских позициях, палубах боевых кораблей, за что в 1945 году артиста наградили орденом Отечественной войны Второй степени.

Во время Первой мировой войны семья бежала в город Рыбинск Ярославской области. Отец устроился на новую работу, а Аркадий Райкин ходил в еврейскую религиозную начальную школу. Во время учебы он занимался в драмкружке, а однажды вместе с родителями побывал на концерте Федора Шаляпина. Позднее, прихватив младших сестер, он уже сам пробивался на спектакли. А в девять лет впервые выступил на сцене — в драмкружке.

Летом 1922 года Райкины переехали в Петроград на улицу Рубинштейна. Будущий артист продолжал ходить на спектакли, часто бывал в Александринском театре, занимался в школьном драмкружке и рисовал. В 13 лет мальчик серьезно заболел: после затяжной простуды у него началась ангина, которая дала осложнение на сердце. Райкину диагностировали ревматизм и ревмокардит, которые приковали его к постели на девять месяцев. После болезни он буквально заново учился ходить.

После школы Райкин хотел поступить в Ленинградский техникум сценических искусств, который позже стал Театральным институтом, но для этого нужно было иметь год рабочего стажа. В 1929 году он устроился лаборантом на Охтинский химический завод, а в следующем году его уже приняли в техникум. Родители были против этого решения, и Райкин ушел из дома в общежитие.

Артисты, полагал он [отец], в большинстве своем бродяги, перекати-поле. Они несерьезны, непригодны для жизни и потому, за редким исключением, безденежны и лишены устойчивого положения в обществе. Быть врачом, адвокатом, в конце концов лесным бракером — это дело, а быть артистом — не дело.
Из книги Аркадия Райкина «Без грима. Воспоминания»
Аркадий Райкин поступил на режиссерско-актерский курс театрального режиссера Владимира Соловьева, который в 1910-х годах работал с Всеволодом Мейерхольдом.

В это же время Райкин увлекся пантомимой. В институте не было специального курса — шла только биомеханика с элементами пантомимы, которую вела старшая дочь Мейерхольда Ирина. Райкин стал брать частные уроки сценического движения у лучшего мима-эксцентрика Серебряного века — композитора и шансонье Михаила Савоярова. Увлечение начинающего актера поддержал и Соловьев. Этюд с воображаемой кошкой, который подготовил Райкин на первом курсе, сразу же перекочевал в репертуар Дома искусств, где выступали студенты. Уже в следующем году Владимир Соловьев дал Райкину роль глухонемого слуги Веспоне в спектакле «Служанка-госпожа» по опере итальянского композитора Джованни Перголези, полностью основанную на пантомиме. Целых три сезона спектакль имел оглушительный успех, а этот опыт пригодился Райкину в дипломной работе. Он исполнял роль плутоватого слуги Маскариля в «Смешных жеманницах» Мольера.

Студенческие годы подарили Райкину и счастье в личной жизни. В 1934 году он познакомился с Руфью Иоффе, тоже артисткой. Через год они поженились.

Его называли русским Чарли Чаплином и чародеем пантомимы. В памяти поклонников Аркадий Райкин остался неповторимым мастером сценического перевоплощения, а темы его сатирических моноспектаклей остаются актуальными и сегодня.
Аркадий Райкин родился в Риге, в семье акушерки и бракёра строительного леса. Он был первым ребенком, позже у него появились сестры Белла и Софья и брат Максим.

Странными были наши отношения с отцом. Если бы не скрытое, почти бессловесное сопротивление мамы (она умудрялась выгораживать нас, не переча ему), было бы и вовсе невесело. Достаточно сказать, что в нашей семье не имели обыкновения отмечать дни рождения детей. У нас почти не было игрушек. Нас не фотографировали (считалось дорогим удовольствием). Впрочем, как я понял позднее, не всегда это зависело от отца. В пору Гражданской войны и военного коммунизма (а это ведь тоже мое детство) он был вынужден на детское «хочется» отвечать «перехочется». Как бы то ни было, мы привыкли ничего не просить и не ждали сюрпризов.
Из книги Аркадия Райкина «Без грима. Воспоминания»

Огромна ваша роль [зрителей] в окончательном формировании спектакля — ведь с вашим приходом в зрительный зал начинается новый,
главнейший этап в жизни спектакля — его дозревание, так сказать, на зрителе; он корректируется с учетом тех видимых и невидимых сигналов,
токов, что идут от вас на сцену. Ведь не только смех и аплодисменты — зрительская реакция. А тишина? Да одной тишины можно насчитать
несколько вариантов, ибо есть тишина зрительской заинтересованности. Увы, есть тишина от скуки. И, наконец, та волшебная тишина
высшего порядка, которая возникает в зрительном зале в ответ на совершающееся на сцене чудо. В момент актерского преображения, потрясения,
ради нескольких минут которого идет иногда трехчасовой спектакль. И это тоже магия театра!
Ростислав Плятт, из книги «Без эпилога»

— Что такое театр для актёра? Театр, в котором он работает годы и годы, а иногда и всю жизнь? —
Семья. Consuetudo est altera natura. Привычка — вторая натура. Это то же самое. Втягиваешься.

Александр Анатольевич Ширвиндт, Владислав Николаевич Листьев, из телешоу «Час пик»

"Люди,невежественные в поэзии,спрашивают обыкновенно:что в стихотворении сказано?Ничего в нем не сказано!Ибо стихотворение просто
существует так, как оно существует без отношения к своему содержанию,в силу присущей ему художественной формы.Также и с театром."(с)
Вселовод Мейерхольд,режиссер.

"Сцены моих воспоминаний и соображений — не отчаяние и не сожаление. Я очень верю будущему. Пусть будет!
Пусть опомнятся сердца и умы: театр — это самое чуткое и откровенное искусство о человеке."(с)
Вия Фрицевна Артмане

Эклектично точно,цельно и весомо можно провести время с Мастерской(Санкт-Петербург),где проходит моноспектакль "Записки юного врача".
Необычный артист МХТ имени Чехова Максим Блинов...ради этого спектакля приезжает из Москвы.Примечательно,то,что подготовительный
основной процесс-сценарий Блинов сам организовал(по ранним рассказам Булгакова).Спектакль длится 1час 30 минут.
На одном дыхании.Режиссер спектакля:Григорий Козлов.
Питерцы и москвичи,посмотрите,кто может по времени,желании и терпению это позволить.Я ставлю этому спектаклю высший балл.
Очень захватывающе.Драматургия текстовки потрясающая.В инсценировку вошли четыре рассказа:"Стальное горло","Полотенце с петухом",
"Тьма египетская" и часть из "Пропавшего глаза".Блинов в своей стратегии нашел многообразие образов и расчехлил "линию".
Я получила удовольствие от спектакля.Максим,спасибо!

Константин Станиславский исполнял роль Аргана в «Мнимом больном» Мольера. На одном спектакле прямо на сцене у него отклеился нос.
Он стал прикреплять его обратно на глазах у зрителей и приговаривать: «Вот беда, вот и нос заболел. Это, наверное, что-то нервное».(с)

"Удивляют театры не только постановками, но и самим своим видом — архитектурой, расположением, внутренним убранством и т.д.
Не говоря уже о том, что происходит на сцене. Заядлые театралы хорошо знакомы с небольшим австрийским городком Брегенц,
куда ежегодно со всего мира съезжаются любители оперы и театрального искусства.

Все его представления проходят на плавучей сцене — специальной конструкции, вмещающую множество декораций и сложную систему освещения.
Все вместе дает потрясающий зрительный эффект, который только усиливается на фоне солнечных летних закатов и отблеска озерной воды.
На берегу оборудованы места для 6000 зрителей, поэтому билеты раскупаются за полгода вперед.

Самая первая фонограмма появилась еще в Древнем Риме. Известный драматург того времени Ливий Андроник очень любил не только писать,
но и самостоятельно исполнять свои роли. Однажды он потерял голос, тогда сзади него поставили «говорящего» мальчика,
а драматургу оставалось только открывать рот."(с)

Сергей Судейкин
Первые работы Сергея Судейкина в театре, как и у многих художников его времени, стали возможны благодаря сотрудничеству с Саввой Мамонтовым. В театре-студии на Поварской он оформлял «Смерть Тентажиля» Метерлинка. Впоследствии он работал и над другой пьесой Метерлинка — «Сестра Беатриса», о которой Александр Блок писал: «Точно эти случайные зрители почувствовали «веяние чуда», которым расцвела сцена, мы узнали высокое волнение, волнение о любви, о крыльях, о радости будущего».

В Новом Драматическом театре Судейкин сделал декорации для «Цезаря и Клеопатры» под началом Федора Комиссаржевского. В Малом театре он оформил балеты «Лебединое озеро», «Привал кавалерии» и «Тщетная предосторожность». Дягилев привлек Судейкина к оформлению «Послеполуденного отдыха Фавна» Клода Дебюсси и «Весны священной» Игоря Стравинского, а также «Трагедии Саломеи» Флорана Шмидта. В эмиграции Судейкин был сценографом кабаре «Летучая мышь» в Париже и работал в «Метрополитен-опере» в Нью-Йорке.

Автор: Лидия Утёмова

Александр Бенуа
Первой театральной работой Александра Бенуа стало оформление одноактной оперы «Месть Амура» в Эрмитажном театре в 1900 году. Через два года он уже работал над грандиозной оперой «Гибель богов» Вагнера на сцене Мариинского театра, а затем — над балетом «Павильон Армиды» Черепнина, к которому он к тому же написал либретто. Игорь Грабарь писал о художнике: «У Бенуа много страстей, но из них самая большая — страсть к искусству, а в области искусства, пожалуй, к театру… Он самый театральный человек, какого я в жизни встречал, не менее театральный, чем сам Станиславский, чем Мейерхольд…»


В Европе Бенуа прославился благодаря участию в Русских сезонах Дягилева: он оформил балеты «Сильфиды», «Жизель», «Соловей». Но лучше всего ему удались декорации к балету Стравинского «Петрушка», к которому он также написал либретто. Бенуа много работал и со Станиславским в МХТ — он оформлял пьесы Мольера «Мнимый больной» и «Тартюф», «Хозяйку гостиницы» Гольдони. Станиславский так вспоминал художника: «Бенуа оказался очаровательным. Он слушает, охотно идет на всякие пробы и переделки и, видно, хочет понять секреты сцены. Он прекрасный режиссер-психолог и великолепно и сразу схватил все наши приемы и увлекся ими. Очень трудолюбив. Словом — он театральный человек». В эмиграции Бенуа работал в парижском театре «Гранд-опера», где создал декорации к «Поцелую феи» Игоря Стравинского.

Иван Билибин
Иван Билибин известен в первую очередь своими книжными иллюстрациями к русским сказкам и былинам. Но проявил он себя и как театральный художник. Среди его работ — балетная сюита «Русские пляски». Об эскизах костюмов к этой постановке он писал: «Был ли красив этот костюм? Он был великолепен. Бывает красота движения и красота покоя. Взять хотя бы наш русский танец. Мужчина пляшет, как бес, охватывая головокружительные по быстроте коленца, лишь бы сломить величавое спокойствие центра танца — женщины, а она почти стоит на месте, в своем красивом наряде покоя, лишь слегка поводя плечами».

Он оформлял «Фуэнте Овехуну» Лопе де Вега для Старинного театра, «Золотого петушка» Николая Римского-Корсакова и «Аскольдову могилу» Алексея Верстовского для частного московского Оперного театра Зимина, «Руслана и Людмилу» Михаила Глинки и «Садко» Николая Римского-Корсакова — для театра Народного дома в Петербурге. Как и другие художники начала XX века, Билибин работал для Русских сезонов в Париже — участвовал в оформлении оперы «Борис Годунов» и танцевальной сюиты «Пир». В эмиграции Билибин декорировал постановки русских опер «Царская невеста», «Князь Игорь», «Борис Годунов» в Театре Елисейских Полей и оформлял балет «Жар-птица» Игоря Стравинского в театре Колон в Буэнос-Айресе.

Виктор Васнецов
Виктор Васнецов для театральной сцены работал мало, однако его эскизы к «Снегурочке» Александра Островского стали новаторскими в отечественной сценографии. Сначала Васнецов оформил домашний спектакль в усадьбе Саввы Мамонтова Абрамцево. К слову, Васнецов не только исполнил декорации, но и сыграл роль Деда Мороза; Илья Репин был боярином Бермятой, а сам Савва Мамонтов — царем Берендеем. Через три года Виктор Васнецов повторил оформление «Снегурочки», но уже для Московской частной оперы Саввы Мамонтова. Художник вдохновлялся древнерусским зодчеством и народными ремеслами. Вот как писал об этой постановке критик Владимир Стасов: «Васнецов сочинил все костюмы и декорации — в том числе «Палату Берендееву». Это — истинные chef-d’oeuvre (шедевры) театрально-национального творчества. Никогда еще ничья фантазия, сколько я способен судить, не заходила так далеко и так глубоко в воссоздании архитектурных форм и орнаментистики Древней Руси, сказочной, легендарной, былинной. Все, что осталось у нас в отрывках бытовых от древней русской жизни, в вышивках, лубочных рисунках, пряниках, деревянной древней резьбе, — все это соединилось здесь в чудную, несравненную картину. Для любования и изучения не только художников, но и всех развертываются здесь широкие, далекие горизонты».

Николай Рерих
Первый театральный опыт Рериха пришелся на 1907 год: создатели «Старинного театра» в Петербурге Николай Евреинов и Николай Дризен поручили ему оформить спектакль «Три волхва». Критики дружно ругали постановку, но, однако, хвалили декорации. Позже по заказу Дягилева Рерих оформил для Русских сезонов «Князя Игоря» и «Псковитянку» (совместно с художниками Александром Головиным и Константином Юоном). Как писал режиссер Александр Санин Рериху: «ты в этой вещи будешь «велик». Если бы ты не существовал, тебя надо было бы для «Игоря» выдумать и родить». С восхищением о театральных работах художника писала и парижская пресса: «Я не имею чести лично знать Рериха… Сужу о нем только по декорациям в Шатле и нахожу их чудесными… Все, что я видел в Шатле, переносит меня в музеи, на всем видно глубочайшее изучение истории, и во всем этом нет обыденщины, банальности и нудной условности, к которым так привыкла наша театральная публика…» Еще одной работой Николая Рериха для Дягилева стал балет Игоря Стравинского «Весна священная», о которой композитор вспоминал: «Я занялся работой с Рерихом, и через несколько дней план сценического действия и названия танцев были придуманы. Пока мы жили там, Рерих сделал также эскизы своих знаменитых задников, половецких по духу, и эскизы костюмов по подлинным образцам из коллекции княгини».

Лев Бакст
Одной из первых театральных работ Льва Бакста был балет «Фея кукол» Йозефа Байера, поставленный в 1900 году. Бакст много работал для Эрмитажного и Александринского театров. Позже он сотрудничал с Русскими сезонами Сергея Дягилева, благодаря которым его узнали в Европе. Бакст декорировал балеты «Клеопатра», «Шехерезада», «Карнавал» и другие. Особенно художнику удавались античные и восточные произведения. Как театральный художник Бакст достиг особенного мастерства в создании костюмов. Модели, придуманные Бакстом, не только нашли свое место на сцене, но и серьезно повлияли на мировую моду того времени. Бакст так описывал свой творческий метод: «В каждом цвете существуют оттенки, выражающие иногда искренность и целомудрие, иногда чувственность и даже зверство, иногда гордость, иногда отчаяние. Это может быть… передано публике… Именно это я пытался сделать в «Шахерезаде». На печальный зеленый я кладу синий, полный отчаяния… Есть красные тона торжественные и красные, которые убивают… Художник, умеющий извлекать пользу из этих свойств, подобен дирижеру…»

Василий Поленов
Среди известных постановок Василия Поленова — оформление сказки «Алая роза» по пьесе Саввы Мамонтова и декорации к «Орфею и Эвридике» Кристофа Глюка, выполненные для Частной оперы Саввы Мамонтова. Также он оформил «Орлеанскую деву» Петра Чайковского. Но Поленов не только работал в чужих театрах, но и организовал свой собственный. Вместе с детьми он показывал спектакли для учеников сельской школы, расположенной рядом с его усадьбой. После революции в театре стали играть уже крестьянские ребята. Вот как описывал это художник: «У нас тут среди крестьян образовалось два театральных кружка…. Между исполнителями или артистами, как мы их называем, есть очень талантливые и одухотворенные. Дочери заняты режиссерством, костюмами, гримом, но и сами участвуют, а я пишу декорации, устраиваю сцену и делаю бутафорию».

Александр Головин
В Большой театр Александр Головин попал по рекомендации Василия Поленова — здесь он создал декорации для опер «Ледяной дом» Арсения Корещенко и «Псковитянка» Николая Римского-Корсакова. Художник вспоминал: «Я не любил начинать с начала, то есть с первой картины и переходить затем ко второй, третьей и т. д., а начинал либо с конца, с последней картины, либо с середины. Так, при постановке «Ледяного дома» я начал с картины рассвета над цыганским табором.

Трудность работы заключалась в том, что все приходилось мне делать самому: я никогда не умел рассказывать, что именно мне нужно, чего я добиваюсь, и всегда предпочитал сделать работу сам, а не поручать ее помощникам».

Работал Головин и для «Русских сезонов» Дягилева в Париже — он оформил оперу «Борис Годунов» Модеста Мусоргского и балет «Жар-птица» Игоря Стравинского. Готовил постановки и для Мариинского театра: всего он оформил там 15 спектаклей. Вместе с Всеволодом Мейерхольдом Головин поставил «Орфея и Эвридику», «Электру» и «Каменного гостя». Мейерхольд писал: «Два имени никогда не исчезнут из моей памяти: Головин и покойный Николай Сапунов, это те, кому, как и мне, приоткрыты были потайные двери в страну чудес». Последней совместной работой Мейерхольда и Головина стал лермонтовский «Маскарад». Головин для этого спектакля написал около четырех тысяч рисунков и эскизов декораций, тканей и реквизита. После революции их творческий союз распался. В 1925 году во МХАТе Головин оформил «Женитьбу Фигаро», а также «Отелло» — этот спектакль для художника стал последним.

Константин Коровин
Первые шаги в качестве художника-сценографа Константин Коровин сделал в частной опере Саввы Мамонтова. Там в 1885 году он оформил «Виндзорских проказниц» Отто Николаи. В следующие 15 лет Коровин работал в театре Мамонтова над десятком постановок — среди них «Аида», «Самсон и Далила» и «Хованщина». О его декорациях к опере «Лакме» Лео Делиба критики писали: «Все три декорации «Лакме» художника Коровина вполне прекрасны — от них точно веет тропическим зноем Индии. Костюмы сделаны со вкусом, более того — они оригинальны».


В дальнейшем Коровин работал в Большом театре, там он оформил «Русалку» и «Золотого петушка», а для Мариинского театра подготовил декорации к «Демону» Рубинштейна. Как писал художник: «Краски, аккорды цветов, форм — эту задачу я и поставил себе в декоративной живописи театра балета и оперы». Несмотря на сорокалетний опыт и более сотни поставленных спектаклей, в эмиграции Коровин-декоратор первое время не был востребован. Но с открытием Русской оперы в Париже художник вернулся к любимой профессии и создал декорации к «Князю Игорю».

10 театральных художников Серебряного века
Мстислав Добужинский
Свои первые театральные работы Мстислав Добужинский выполнил по заказу МХАТа. Одним из самых удачных стало оформление спектакля по тургеневской пьесе «Месяц в деревне». О своей работе над этой постановкой художник вспоминал так: «С Константином Сергеевичем, несмотря на порядочную разницу лет, у меня сразу возникло большое душевное сближение. Он меня мало стеснял и умел необыкновенно уютно беседовать. Задача, которая стояла передо мною в «Месяце в деревне», была гораздо глубже и больше, чем просто создать «красивую рамку» пьесы. Я вошел в совершенно новую и исключительную атмосферу работы, и то, что открывал мне Станиславский, было огромной для меня школой».

Также во МХАТе он оформил спектакли «Николай Ставрогин» по Достоевскому, тургеневские «Где тонко, там и рвется», «Нахлебника» и «Провинциалку». Последней мхатовской работой художника стала еще одна постановка Достоевского — «Село Степанчиково». К этому времени между Станиславским и Добужинским накопились творческие разногласия, из-за чего они перестали сотрудничать. Несмотря на это, художник всегда тепло вспоминал Станиславского.

В эмиграции Добужинский много работал в Каунасском театре — там он поставил десять опер, среди них — «Пиковая дама», «Паяцы», «Борис Годунов», а также лучший, по мнению критиков, его спектакль — «Дон Жуан». Добужинский также подготовил декорации для балета Михаила Фокина «Русский солдат», вместе с Михаилом Чеховым работал над лондонской постановкой «Бесов». В США, куда он переехал в конце жизни, ему удалось оформить спектакль «Бал-маскарад» Джузеппе Верди в Метрополитен-опере и «Воццек» Альбана Берга в Нью-Йоркской опере совместно Федором Комиссаржевским.

Каково это — быть актёром? Возможно, больно. Проживать насквозь, невыразимо, невыносимо, многие жизни, расписывать изнанку собственного
сердца чужими страстями, трагедиями, взлетать и падать, любить и умирать, и вновь вставать, унимать дрожь в руках, и снова начинать
новую жизнь, снова плакать, сжимая в бессилии кулаки и смеяться над собой. Изредка приподнимая край маски, уже не для того,
чтобы вспомнить своё собственное лицо, а лишь затем, чтобы сделать глоток свежего воздуха, не пропахшего гримом. Больно...
Но в то же время — прекрасно. Обнажать чувства до предела, настоящие, живые чувства, куда более реальные бытовых кухонных переживаний,
доводить их до апогея, задыхаясь от восторга бытия, захлёбываясь алчным огнём жадных, жаждущих глаз зрителя. И падая на колени,
почти не существуя ни в одном из амплуа, почти крича от разрывающего тебя смерча жизни и смерти, судьбы и забвения, видеть,
как с тобою вместе, замерев в унисон, в едином порыве умирает зал. Замолчавший, забывший сделать новый вдох зал,
который любил вместе с тобой, вместе с тобой плакал и смеялся, который, не взирая на пасмурный вечер на улице, обшарпанные доски сцены,
увидел то же, что и ты, что-то бесконечно большее, чем просто игру в жизнь. Саму жизнь. Настоящую. Прожитую честно, откровенно, полностью,
до дна. Театр как любовь, как секс с самой желанной женщиной, однажды испытав на себе это таинство, этот акт бытия,
ты уже не сможешь остаться прежним.
Аль Квотион
Запчасть Импровизации

"Зиновий Гердт рассказывал, была у него соседка — милая и добрая женщина, но очень серьезная. Зиновий Ефимович пытался ей анекдот рассказать,
который начинался словами: «Умер один мужчина...», а она его вопросами засыпала: как его звали? отчего он умер? долго ли болел?
были ли у него дети?
Однажды актер решил ее разыграть. Позвонил ей по телефону ровно в 18:00 и измененным голосом спросил: «Простите, а Сан Саныча можно к
телефону?» Соседка говорит: «Нет, вы не туда попали». Перезванивает ей через полчаса и задает тот же вопрос другим голосом.
И так каждые 30 минут. Другой бы уже послал подальше или трубку снял, но соседка была женщиной интеллигентной и честно отвечала на все
звонки. Развязка должна была наступить в полночь. Гердт звонит ей в очередной раз:
«Здравствуйте, это Сан Саныч. Мне никто не звонил?» Ответ сразил актера наповал: «Сан Саныч, вы куда пропали? Вас же полгорода ищет!»"(с)

Вот ведь какой все-таки... человеческий мозг энергичный,прошло уже значительное время со дня моего просмотра великолепного спектакля
Льва Додина "Братья Карамазовы",а меня все возвращает к этой вещи.Наверное,здесь стоит сказать не о послевкусии после спектакля,когда
не хотелось не с кем разговаривать по причине потрясения от постановки и великолепной игры Евгения Санникова(Алексей Карамазов),Екатерины
Тарасовой(Грушеньки) и Игоря Черневича(Дмитрия Карамазова),а нужно пометить,кто посетит спектакль и кто хорошо разбирается в Достоевском,
что здесь нотка депрессивности и меланхоличности играет ключевую роль.Так как роман остался незавершенным,важно Додину - было финал
обыграть без миража и тлетворных иллюзий.И данное получилось.Ощущение русского духа,"сгущенного" бунтарства и то,что время неумолимо -
витает в воздухе.Музыка,сценография великолепны.И на фоне гениальных и сильных актерских работ - зяряжаешься этой атмосферой.
Совершенно - шикарная работа,которую я ставлю в первой тройке - просмотренных за последнее время.Ходите в театр.Там питаешься
невероятно.

"Театральные приметы и суеверия
Гвозди на сцене, семечки, рассыпанный грим, «несчастливые» пьесы — и другие суеверия театральных работников.
Лучшая примета — найти гвоздь на сцене. Это значит, что в скором времени актеру предложат роль.
Многие артисты даже уносят найденные гвозди с собой, считая, что так они всегда будут востребованы.
У Лучано Паваротти талисманом был именно этот нехитрый предмет. Большой железный гвоздь ему подарила мама.
С ним тенор ездил на все концерты.
Худший знак — уронить текст пьесы во время репетиции. Согласно этой примете, роль у артиста не удастся и спектакль будет провален.
Но наказания судьбы можно избежать, если быстро сесть на упавшие листы.
Так, например, делал известный режиссер Марк Захаров.
Свои поверья есть в каждом театре. Например, во МХАТе и в Театре Вахтангова нельзя грызть семечки за сценой или свистеть.
Все это — дурные знаки.
Гримерка является для актеров священным местом. Сюда нужно заходить только с левой ноги (а на сцену — с правой).
На дверь лучше ничего не вешать: картинки забирают удачу. Нельзя рассыпать содержимое коробки с гримом
и не стоит смотреть в зеркало поверх плеча коллеги. Номер личной комнаты артиста тоже имеет значение —
во многих театрах отсутствует гримерка под номером 13, так как это число считается «нечистым».
У каждого актера есть свои ритуалы. Так, например, Галина Вишневская всегда здоровалась со сценой,
а Елена Образцова носила с собой игрушечного пса Бобку.
Есть своеобразный рейтинг «несчастливых» и «счастливых» пьес. Песни из «Макбета» нельзя напевать,
чтобы ненароком не вызвать нечистую силу. Кроме того, плохую энергетику якобы несут произведения Булгакова и Гоголя.
Зато того, кто играет в «Золушке», как правило, ждет дальнейший успех в карьере.
Самое главное: никогда не желайте артисту удачи! Говорите: «Ни пуха ни пера»."(с)сайт культура

Майя Плисецкая много работала с зарубежными театрами. В 1983 году она стала художественным руководителем Римского театра оперы и балета. Там балерина поставила балеты «Раймонда» и «Щелкунчик». За них Плисецкая получила итальянскую премию в области искусств «Виа Кондотти». В конце 1980-х годов артистка сотрудничала с Королевским театром Мадрида. В то же время она руководила труппой Национального балета Испании. А в Японии в 2003 году она поставила танец для мюзикла «Аида» по опере итальянского композитора Джузеппе Верди.
В Большом театре Плисецкая последний раз выступила 4 января 1990 года в спектакле «Дама с собачкой». Но танцевать она не перестала. Спустя три года отметила на сцене 50-летие своего творчества — исполнила главную роль в балете «Безумная из Шайо».

В день своего 70-летия, 20 ноября 1995 года, Плисецкая вышла на сцену с номером «Аве Майя», который специально для нее поставил балетмейстер Морис Бежар. А в 2000 году в Японии прошла премьера спектакля «Крылья кимоно», в котором балерина сыграла Небесную фею.

Плисецкая снималась в телеадаптациях известных балетов Большого театра — «Лебедином озере», «Сказке о Коньке-горбунке». А в 1967 году режиссер Александр Захри пригласил артистку на роль Бетси Тверской в экранизации романа Льва Толстого «Анна Каренина». В журнале «Культура и жизнь» об игре балерины писали: «Она удивительно естественна, как будто действительно жила в мире героев романа Толстого и как будто всю жизнь снималась в кино».

После «Анны Карениной» Плисецкая получала еще много ролей в кино. А в 1976 году балерина даже написала сценарий повести Ивана Тургенева «Вешние воды». По нему режиссер Анатолий Эфрос снял фильм «Фантазия» с участием Иннокентия Смоктуновского и Татьяны Веденеевой.
Брик часто приглашала Плисецкую в гости. Именно на одном из вечеров у нее дома балерина встретилась со своим будущим мужем — композитором Родионом Щедриным.

Я очень любил, просто боготворил первый том стихов Маяковского — и писал на них музыку. И один мой приятель, литератор, как-то говорит: «Слушай, ты лабаешь так здорово! Пойдем к Лиле? Она кормит вкусно, выпьем как следует, на такси деньги дает». Я говорю: «А что, она жива?!» — «Жива! Она здесь, на Арбате — идем! Я с ней созвонюсь, слабаешь ей? Я у нее рояль видел». — «Конечно!» Пошли к ней, я поиграл то, что написал. И если бы Лиле тогда не понравилось, я бы, может, и не женился на Майе Михайловне.
Родион Щедрин. Из интервью Forbes

Во время гастролей Большого театра в Индии в 1953 году Плисецкая часто исполняла миниатюру «Умирающий лебедь». Номер так понравился премьер-министру страны Джавахарлалу Неру, что на одной из встреч он решил познакомиться с балериной: «Премьер несколько раз начинал заговаривать со мной то по-английски, то по-французски, смотря умнющими вопрошающими глазами. Но я… пробавлялась междометиями и жестами. Неру подозвал переводчика-индуса и задал мне несколько занятных вопросов».
Неру объяснил балерине, что «Умирающего лебедя» в Индии любили из-за одной легенды, по которой лебедь считался самой преданной птицей.
В середине 1950-х, пока труппа Большого театра ездила на гастроли в Швейцарию, Францию, Китай и другие страны, Майя Плисецкая оставалась в Москве. В КГБ даже рассматривали дело: считали, что балерина много общалась с иностранцами и может шпионить для британской разведки. Плисецкая несколько раз писала письма советским чиновникам: «Две мои „умоленные“ телеграммы Хрущеву, письма ему же, Булганину, Шепилову — остались без ответа… Никто из вождей говорить со мной не захотел. Слова не услышала». Вновь отправиться на гастроли за границу балерине разрешил лично Хрущев в 1959 году.
Майя Плисецкая всегда следила и за советской, и за иностранной модой. Балерина была лично знакома с Коко Шанель, а Пьер Карден считал ее своей музой. Дизайнер не раз шил костюмы для спектаклей с ее участием.

А в Москве модную одежду Плисецкая покупала у фарцовщиков: «Цены были нерадужными — стоили предметы роскоши баснословно дорого. Но в рубище не походишь. Смотрят на меня. Я на виду». Балерина тратила на наряды почти всю свою зарплату.

10 фактов из жизни Майи Плисецкой
Многие родственники Майи Плисецкой были артистами балета, играли в театре или кино. Ее мать Рахиль Мессерер окончила ВГИК и снималась в немых фильмах. Дядя балерины Азарий Азарин был художественным руководителем Театра им. М.Н. Ермоловой, тетя Суламифь Мессерер более 20 лет выступала в Большом театре. Прославились и младшие братья Плисецкой — Александр и Азарий, которые тоже стали артистами балета.
В 1932 году Майя Плисецкая сыграла свою первую роль в спектакле. Тогда она жила на острове Шпицберген, куда отправили на службу ее отца — дипломата Михаила Плисецкого.

…Баренцбурговцы даже осилили постановку оперы Даргомыжского «Русалка». На роль Русалочки, произносившей знаменитый пушкинский текст «а что такое деньги, я не знаю», определили меня. То ли из нашего махрового советского подхалимажа — отец, как-никак, консул, то ли я и впрямь была артистична. Нескромно скажу, была. Если и подхалимничали, то не промахнулись. Я с шиком сыграла свою крошечную роль. Это было мое первое выступление с театральных подмостков перед публикой.
Майя Плисецкая. Из книги воспоминаний «Я, Майя Плисецкая»

Мать Плисецкой Рахиль Мессерер в конце 1930-х репрессировали и сослали в казахстанский город Чимкент. Она зарабатывала тем, что давала уроки танцев для местных жителей. В 1939 году в Чимкент навестить мать приехала Майя Плисецкая — ей было 14 лет. На одном из вечеров по просьбе Рахиль Мессерер юная балерина впервые станцевала «Умирающего лебедя».

Мама настояла, чтобы я явилась на публику. «Ты выходишь из формы, будешь бояться зала. Не забывай, ты должна стать хорошей танцовщицей. У тебя есть талант». Какой-то понурый ссыльный играл мне на аккордеоне попурри из балетов Чайковского. Я импровизировала, вставала на пальцы, ломала торс, чередовала арабески. Туманное предвосхищение будущего «Умирающего лебедя», но в ссыльном чимкентском варианте, под аккордеон. Успех сорвала.
Майя Плисецкая. Из книги воспоминаний «Я, Майя Плисецкая»

Театральные байки
Евгений Евстигнеев в спектакле по пьесе Шатрова "Большевики" выйдя от только что раненого Ленина в зал,
где заседала вся большевистская верхушка, вместо фразы: "У Ленина лоб желтый, восковой..."
он сообщил: "У Ленина... жоп желтый!..". Спектакль надолго остановился.
"Легендарные комиссары" расползлись за кулисы и не хотели возвращаться.
***
Знаменитый актер Александринского театра Василий Пантелеймонович Далматов как-то совершенно запутался на спектакле.
Вместо "Подай перо и чернила" сказал: "Подай перна и черна, тьфу, чернила и пернила, о господи, черно и перно.
Да дайте же мне наконец то, чем пишут!"
Гомерический смех в зрительном зале заглушил последнюю реплику актера.
***
1972 год. Малый театр. Накануне премьеры спектакля "Собор Парижской Богоматери".
Роль горбуна Квазимодо досталась старожилу театра актеру Степану Петровичу (имя изменено).
Спектакль, по идее режиссера, начинался с того, что Квазимодо (Степан Петрович) в полумраке должен был под звук колоколов пролететь,
держась за канат через всю сцену. Но был у него один маленький недостаток - очень уж он любил водочкой побаловаться.
И вот настал день премьеры. Перед премьерой Степан Петрович пришел на спектакль вусмерть пьяным.
Шатаясь из стороны в сторону, он добрел до гримерки, нацепил горб и лохмотья Квазимодо.
Зал полон. До начала спектакля остались считанные минуты. Режиссер, встретив Степан Петровича, опешивши сказал:
- Степан Петрович, да вы же по сцене пройти прямо не сможете, не то, что на канате летать.
- Да я 20 лет на сцене и прошу на этот счет не волноваться, - пробурчал Степан Петрович и направился к сцене.
На сцене полумрак, зазвонили колокола, вдруг, через всю сцену, слева направо пролетел Квазимодо, затем справа налево пролетел Квазимодо,
затем еще раз и еще раз...
Раз эдак на шестой, Квазимодо остановился посреди сцены и повернувшись к переполненному залу спиной, держа канат в руке и смотря на кулисы, в полной тишине произнес:
- Итить твою бога мать! Я тут как последняя сука корячусь, а эти козлы еще занавес не подняли!

ТЕАТР — род искусства, специфическим средством выражения которого является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера
перед публикой.
ТЕАТР КУКОЛ — вид театрального зрелища, в котором действуют куклы, управляемые актерами-кукловодами.
ТЕАТР МИНИАТЮР — вид театра, в котором ставятся произведения так называемых малых форм (одноактные пьесы, пародии, сценки, скетчи).
ТЕАТР ТЕНЕЙ — вид театрального зрелища, основанный на использовании плоских кукол, которые находятся между источником света
и экраном или накладываются на него.
ТЕЛАРИИ — приспособления для смены декораций в старинных театрах Западной Европы.
ТРАВЕСТИ — амплуа актрисы, исполняющей роли подростков.
ТРАГИК ~ амплуа актера, исполняющего трагедийные роли.
ТРУППА — актерский состав театра.
ТРЮМ — помещение под сценой.
ФАТ — амплуа актера, играющего эффектных, самовлюбленных и ограниченных людей (преимущественно молодых).
ФИГУРАНТ — актер, играющий роль без слов; то же, что и статист.
ФИНАЛ — завершающая часть спектакля.
ФУРКИ — приспособления для перемещения на сцене декораций.
ЭТУАЛЬ — актриса развлекательного жанра.
ЭТЮД — в современной театральной педагогике упражнение для развития и совершенствования актерской техники.
ЯРУС — один из средних или верхних этажей в зрительном зале.

Первые мюзик-холлы возникли в Великобритании в середине ХIХ в.
НАРОДНЫЙ ТЕАТР — 1) театр, бытующий в народе, органически связанный с устным народным творчеством;
2) профессиональный театр второй половины XIX в., деятельность которого была адресована широкому зрителю;
3) непрофессиональный любительский театр (в России появился в середине XIX в.).
НОО — один из видов традиционного японского театра. Включает музыку, танец, драму.
Характерные черты: условность декораций, главные персонажи — в масках, костюм лишен бытовой конкретности.
ПАДУГА — полоса занавеса по верху сценической площадки.
ПАНТОМИМА — вид сценического искусства, в котором художественный образ создается без помощи слов,
средствами выразительного движения, жеста, мимики.
ПАРТЕР — плоскость пола зрительного зала с местами для зрителей, обычно ниже уровня сцены.
ПЕЛЖЕНТ — передвижная сцена в виде большой повозки в средневековом театре. Применялась при постановке мистерий, мираклей, процессий.
ПЕТИМЕТР — образ щеголя в сатирической комедии.
ПЕТРУШКА — главный персонаж русских народных кукольных представлений; известен с первой половины XVII в.
ПОДМОСТКИ — синоним слова «сцена».
ПОСТАНОВКА — творческий процесс создания спектакля; то же, что и спектакль.
ПРЕМЬЕР, премьерша — актер, актриса, занимающие ведущее положение в труппе, играющие главные роли.
ПРЕМЬЕРА — первый (или один из первых) публичный платный показ нового спектакля.
ПРИМАДОННА — актриса, исполняющая главные роли.
ПРОСТАК — амплуа актера, исполняющего простодушного человека.
РАМПА — осветительная аппаратура на полу сцены по ее переднему краю, скрытая от публики бортом.
РЕВЮ — эстрадное или театральное представление, состоящее из нескольких номеров, объединенных одной темой.
РЕЖИССЕР — постановщик спектаклей, на основе собственного замысла создает новую сценическую реальность, объединяя работу актеров,
художника, композитора.
РЕЗОНЕР — амплуа актера, высказывающего нравоучительные
суждения.РЕКВИЗИТ — предметы, используемые в театральных постановках.
РЕПЕТИЦИЯ — основная форма подготовки театрального
представления.РЕПЕРТУАР — совокупность произведений, исполняемых в театре.
РЕПЛИКА — краткое высказывание, произносимое одним актером в ответ на слова другого.
СКЕНА — помещение для переодевания и выхода актеров театра в Древней Греции.
СОЛИСТ — ведущий актер в спектакле.
СОФИТ — часть осветительной аппаратуры в театре, светильники рассеянного света, освещающие сцену спереди и сверху.
СПЕКТАКЛЬ — театральное представление. Создается на основе драматического или музыкально-сценического произведения в соответствии
с замыслом режиссера совместными усилиями актеров, художника и др.
СТАТИСТ — актер массовки, исполняющий роль без слов.
СУБРЕТКА — роль находчивой служанки.
СУФЛЕР — работник театра, следящий за ходом репетиций и спектакля по тексту пьесы и в случае необходимости подсказывающий актерам
слова роли.

ГЕНЕРАЛЬНАЯ РЕПЕТИЦИЯ — последняя перед спектаклем, концертом.
ГРАНДАМ — амплуа актрисы, исполняющей роли знатных дам.
ГРАНДКОКЕТ — роль взрослой знатной дамы.
ГРИМ — 1) искусство изменения внешности актера (преимущественно лица) с помощью специальных красок, наклеек, парика, прически и др.;
2) краски и другие принадлежности для гримирования.
ГРИМЕР — специалист, занимающийся гримировкой актеров.
ГРИМ-УБОРНАЯ — комната для гримирования и переодевания актеров.
ДЕЙСТВИЕ — законченная часть спектакля. То же, что и акт.
ДЕКЛАМАЦИЯ — четкое выразительное чтение вслух.
ДЕКОРАЦИЯ — художественное оформление места действия на театральной сцене, создающее зрительный образ спектакля.
ДЗЁРУРИ — вид театра кукол в Японии. Пьесы дзёрури ставятся на сцене театра кабуки.
ДИВЕРТИСМЕНТ — музыкальное или драматическое представление из ряда отдельных номеров, обычно даваемое в дополнение к спектаклю.
ДРАМАТУРГ — автор драматических произведений.
ДРАМАТУРГИЯ — 1) драматическое искусство, теория построения драматических произведений; 2) совокупность таких произведений;
3) сюжетно-композиционная основа отдельного театрального произведения.
ЗЛОДЕЙ — амплуа актера, играющего отрицательных героев.
ИНЖЕНЮ — амплуа актрисы, играющей роль наивной девушки.
ИНТЕРМЕДИЯ — небольшая пьеса, исполняемая между актами драматического или оперного спектакля; вставная сцена.
КАБУКИ — один из видов классического театра в Японии. Включает музыку, танцы, драму, сложился в XVII в.
С 1652 г. в таких труппах выступают только мужчины.
КАРТИНА — часть акта в драме.
КЛАКА — специальная группа людей, нанимаемых для создания искусственного успеха или провала спектакля, актера.
КОКЕТ — амплуа актрисы, выступающей в роли красивой девушки.
КОЛОСНИКИ — верхняя (невидимая зрителю) часть сцены для установки блоков, сценических механизмов и подвески элементов декораций.
КОМИК — амплуа актера, исполняющего комедийные роли.
КОНФИДАНТ — актер, играющий роль приближенного главного героя.
КОТУРНЫ — род сандалий на очень толстой подошве у древнегреческих и римских актеров для увеличения роста.
КУЛИСЫ — плоские части декорации (мягкие, натянутые на рамы), располагаемые по бокам сцены.
ЛИРИК — амплуа актера, играющего лирические персонажи.
ЛИЦЕДЕЙ — название актера в Древней Руси.
ЛОЖА — группа мест в зрительном зале (вокруг партера и на ярусах), отделенная перегородками или барьерами.
МАРИОНЕТКА — театральная кукла, которую кукловод приводит в движение при помощи нитей.
МИЗАНСЦЕНА — расположение актеров на сцене в тот или иной момент спектакля. Искусство мизансцены — один из важнейших элементов режиссуры.
МИМ — актер пантомимы.
МИМИКА — один из важных элементов искусства актера, выразительное движение мышц лица.
МОНОЛОГ — речь актера, обращенная к слушателям или самому
себе.МЮЗИК-ХОЛЛ — вид эстрадного театра, соединяющий эстрадные, цирковые, танцевальные и музыкальные жанры.

Хотите лучше понимать профессиональных артистов?
Читайте словарь основных театральных терминов и значений от театральной школы АРТИСТ в Москве:

АВАНЛОЖА — места в зрительном зале, помещение перед входом в ложу.
АВАНСЦЕНА — передняя часть сцены (между занавесом и рампой).
АКТ — законченная часть драматического произведения или театрального представления; то же, что и действие.
АКТЕР, актриса — исполнитель (исполнительница) ролей.
АМПЛУА — сходные по характеру роли, соответствующие дарованию и внешним данным определенного актера.
АМФИТЕАТР — 1) античное сооружение для зрелищ: овальная арена, вокруг которой уступами располагались места для зрителей;
2) места в зрительном зале, расположенные за партером.
АНГАЖЕМЕНТ — приглашение актера на определенный срок для участия в спектаклях или концертах.
АНОНС — объявление о предстоящих гастролях, спектаклях, концертах.
АНТИГЕРОЙ — нарочито сниженный, дегероизированный персонаж в спектакле, занимающий одно из главных мест.
АНТРАКТ — перерыв между действиями (актами) спектакля, между отделениями концерта.
АНТРЕПРЕНЕР — владелец, содержатель, арендатор частного
театра.АНТРЕПРИЗА — частный театр.
АНШЛАГ — объявление о том, что все билеты (на спектакль, представление) проданы.
АПОФЕОЗ — торжественная завершающая массовая сцена спектакля или праздничной концертной программы.
АРЬЕРСЦЕНА — наиболее удаленная от зрительного зала часть сцены.
БАЛАГАН — театральное представление комического характера, показываемое на ярмарках и народных гуляньях (в России с XVIII в.).
БАЛКОН — места в зрительном зале, расположенные амфитеатром в различных ярусах.
БЕЛЬЭТАЖ — первый ярус балконов над партером и амфитеатром в зрительном или концертном зале.
БЕНЕФИС — 1) театральное представление в честь одного актера; 2) спектакль, сбор от которого поступал я пользу одного
или нескольких актеров, а также других работников театра.
БЕНУАР — театральные ложи на уровне сиены или несколько ниже по обеим сторонам партера.
БЕРИКАОБА — грузинский импровизационный народный театр масок. Существовал с древнейших времен до начала XX в.
БУРЛЕСК — преувеличенно комическое изображение на сцене.
БУТАФОР — театральный работник, ведающий бутафорией. Изготовляет ее художник-бутафор.
БУТАФОРИЯ — предметы, специально изготовляемые и употребляемые вместо настоящих вещей в театральных постановках.
БУФФОН — амплуа актера, использующего для исполнения роли шутовские приемы.
БУФФОНАДА — 1) представление с применением клоунских приемов; 2) подчеркнутое внешне комическое преувеличение,
иногда окарикатуривание персонажей.
ВЕРТЕП — народный украинский кукольный театр, получивший распространение в XVII-XIX вв. Куклы, укрепленные на проволоке внутри
двухъярусного ящика — вертепа, приводились в движение вертепщиком. Сцены на библейские сюжеты.
Сатирические интермедии сопровождались музыкой.
ГАЛЕРКА — верхний ярус зрительного зала.
ГАСТИОН — актер в Древнем Риме.
ГАСТРОЛИ — выступление актеров на выезде в других театра.
ГЕРОЙ — главное действующее лицо в спектакле.

"По мнению актрисы: «В сегодняшней ситуации благотворительность должна быть громкой. Чем больше людей найдут в себе силы сказать: „Да, помог, ну и что? Что тут такого? Всего лишь помог“, — тем больше шанс, что благотворительность станет самым обычным делом, и можно будет помочь большему количеству людей».

В одном из интервью она рассказала, что после знакомства с тяжелобольными детьми многому научилась и многое поняла. «Научилась различать, что́ есть ерунда и глупость, ничтожная суета, банальный эгоизм, а что — действительно важное и безотлагательное. Нужно помнить, что нет ничего главнее в жизни, чем здоровье людей, которые вокруг нас», — считает актриса.

«То, что я делаю, я делаю не для того, чтобы меня хвалили те, кому помогает фонд „Подари жизнь“. Я делаю это потому, что не могу этого не делать, и потому, что мне будет плохо, если я наплюю на чей-то телефонный звонок с просьбой о помощи. Но я не хочу страдать. Поэтому то, что я делаю, я делаю в какой-то степени и для себя».
Сегодня актриса продолжает играть в театре «Современник». После спектаклей зрители одаривают ее многочисленными букетами. Однако, как признавалась сама актриса, во многие букеты люди вкладывают конверты с деньгами, на которых написано лишь одно слово — «Детям». Все эти средства перечисляются в благотворительный фонд.

В 2012 году Чулпан Хаматовой присвоили звание народной артистки России. А в 2014 году она вошла в первую 20-ку списка «100 самых влиятельных женщин России» по версии радиостанции «Эхо Москвы», журнала «Огонек» и агентства «Интерфакс».
«Мне не нравится слово „звезда“. Когда меня начинают приравнивать к этому эталону, мне даже становится грустно. Потому что я ищу в своей жизни каких-то других олимпов. Подлинных, настоящих, когда ты на самом деле врачуешь души и достукиваешься до кого-то».
В 2020 году на экраны вышел биографический фильм «Доктор Лиза», в котором актриса сыграла роль правозащитницы и филантропа Елизаветы Глинки. Чулпан рассказывала: «После премьеры огромное количество незнакомых людей подходили ко мне и говорили: „Можно вас обнять? Так хочется обниматься после этого фильма“. Мне кажется, это уже победа».

В одном из интервью у актрисы спросили, какой опыт она хотела бы передать своим дочерям, и она не задумываясь ответила: «Не бояться жить. Я бы хотела их научить не бояться жить, слушать себя, не ориентироваться на то, что, кто и как скажет. Жить без страха». "(с)

"Актриса не любит рассказывать о своей личной жизни. Известно, что Чулпан два раза была замужем, у нее трое дочерей: Арина (2002 г. р.), Ася (2003 г. р.) и Ия (2010 г. р.).

В 2006 году подруги Чулпан Хаматова и Дина Корзун, которые, кстати, снимались вместе в фильме «Страна глухих», стали учредителями фонда «Подари жизнь». Но их благотворительная работа началась еще раньше, в 2005 году, когда сегодняшние ключевые лица фонда проводили одноименные мероприятия и концерты в поддержку детей, больных раком.

Так, на первом благотворительном концерте Хаматова и Корзун решили собрать $ 75 тыс. на аппарат для облучения донорской крови. Но им удалось собрать в 4 раза больше, и это позволило им приобрести еще одно дорогостоящее оборудование.

Старшие дочери Чулпан родились за несколько лет до создания фонда «Подари жизнь», поэтому про эту часть маминой работы они знают с пеленок. Так, средняя дочь в школьном сочинении о том, кем работают родители, написала, что ее мама работает в фонде «Подари жизнь», и даже не упомянула об актерской деятельности.

«Мои дети появились вместе с фондом, и другой жизни они не видели. Они все время вовлечены в мои дела, держат руку на пульсе. Они знают диагнозы, знают, от чего выпадают волосы при химиотерапии. Да, наверное, они страдают из-за того, что время, которое уделяется мною чужим детям, забирается у них. Но шаг за шагом к ним пришло понимание, что по-другому нельзя. Нельзя жить только собственной жизнью: это неинтересно и нечестно».
Дети Чулпан понимают, что нужно думать не только о себе. У них даже есть подруги в больницах, с которыми они поддерживают связь. Актриса рассказывала: «Мои девочки хорошо знают, что болезнь — это не ущербность, а явление временное. К счастью, они недолго пребывали в ступоре из-за того, что к нам в дом приходят дети в масках».

В средних классах дочь Чулпан Арина организовывала многочисленные ярмарки, в которых принимали участие дети и родители. Сейчас девушке 19 лет, и она продолжает заниматься благотворительностью. Арина признавалась, что интерес помогать у нее был всегда, она стала делать это не по маминым убеждениям, а по своим собственным."(с)

"Позже перешла в столичный ГИТИС. Во время учебы весь курс, на котором училась Чулпан, пригласили на кинопробы. Так вот, некий режиссер, возглавлявший их, сказал начинающей актрисе, что у нее абсолютно невыразительные глаза, и посоветовал Чулпан вообще не думать об этой профессии, но девушку это не остановило.

Актриса проснулась по-настоящему знаменитой после выхода на экраны фильма Валерия Тодоровского «Страна глухих», в котором сыграла роль Риты. В картине ей предстояло общаться с глухонемой Яей, которую исполнила Дина Корзун, для этого Чулпан пришлось выучить язык жестов.
Возможно, актриса могла стать звездой за рубежом, ведь она неоднократно снималась в европейских фильмах. Например, в немецких картинах «Тувалу» (1999), «Англия!» (2000), «Гуд бай, Ленин!» (2003). А в 2018 году ей посчастливилось сыграть в фильме Рэйфа Файнса «Нуреев. Белый ворон».

Чулпан Хаматова Нередко принимала участие в съемках клипов российских исполнителей. Так, например, звезду российского кинематографа можно увидеть в клипах ДДТ («Где мы летим»), «Ночных снайперов» («Иди ко мне») и «Несчастного случая» («Суета сует»)."(с)

20+ фактов, которые доказывают, что Чулпан Хаматова — актриса с золотым сердцем
"Многие знают Чулпан Хаматову не только как блистательную актрису, но и как человека с добрым сердцем. Ведь свою успешную театральную деятельность и работу в кино Чулпан умудряется совмещать с помощью детям, которые более всего нуждаются в поддержке. Артистка вместе со своей подругой Диной Корзун стала учредителем благотворительного фонда «Подари жизнь», который занимается сбором средств для тяжелобольных детей.
Чулпан Хаматова родилась в Казани в семье инженеров. Ее родители были довольно далеки от мира искусства и не считали профессию актрисы серьезной.

В школе Чулпан училась хорошо, ее любимыми предметами были математика и литература. Однако примерным поведением девочка не отличалась.

Будучи подростком, любила рок, ходила в рваных джинсах. Родителям советовали сводить ее к психиатру. Они не повели. Позже актриса призналась, что мама всегда пыталась понять свою неординарную дочь.

В 12 лет впервые пришла на спектакль и тогда же поняла, что хочет стать актрисой. Однако Чулпан испытывала некоторые сомнения. И тогда, прогуливаясь по улице и проходя мимо казанского ТЮЗа, она загадала: «Увижу сейчас, как из служебного входа выйдет Роза Хайруллина — стану актрисой». И она вышла.

Родители прочили дочери карьеру финансиста. Чулпан даже поступила в финансовую академию, но вскоре забрала оттуда документы и перешла в театральное училище, куда с легкостью выдержала экзамен. Актриса рассказывала: «Было страшно сказать, что я сейчас из высшего учебного заведения перейду в ПТУ. Папа год со мной не разговаривал».

Автор статьи:Валерия Черкасова

«Избиение весны» и полеты в космос

Идея «Священной весны» пришла Игорю Стравинскому неожиданно. Как вспоминал композитор, он вдруг представил священный языческий ритуал: «Мудрые старцы сидят в кругу и наблюдают предсмертный танец девушки, которую они приносят в жертву богу весны, чтобы снискать его благосклонность». Тема чрезвычайно увлекла Стравинского, и он сразу же рассказал о ней Николаю Рериху. Они начали вместе работать над балетом. Балетмейстером стал Вацлав Нижинский, которого рекомендовал Сергей Дягилев. Стравинский был не в восторге: его смущало, что у хореографа нет музыкального образования. Хотя они дружили и композитор ценил Нижинского как танцовщика и актера.

Когда Нижинский готовил спектакль, у него спросили, что представляет собой его «Весна». «О, она вам тоже не понравится, — ответил балетмейстер, демонстрируя угловатые движения. — Там еще больше подобного».

И действительно, многим не понравилось. На премьере в Париже в мае 1913 года зрители бунтовали. По словам поэта Жана Кокто, публика «смеялась, вопила, свистела, хрюкала и блеяла». Позже шум перешел в рукопашную, и пришлось вызывать полицию. В этот вечер было арестовано почти 40 человек. Балет получил новое неформальное название: из «Весны священной» («Le Sacre du printemps») он превратился в «Избиение весны» («Le Massacre du printemps»).

Критика была беспощадна, но одна из статей завершалась очень проницательно: «Композитор написал партитуру, до которой мы дорастем только в 1940 году». Спектакль через несколько лет стал собирать полные залы. Музыка из скандального балета через 30 лет вошла в мультфильм Уолта Диснея «Фантазия». А еще через 40 лет на борту аппарата «Вояджер-1» отправилась в путешествие «Золотая пластинка» с записями Баха, Моцарта, Бетховена и Стравинского.

«Чайка» и бегство Чехова из театра
«Комедия, три женских роли, шесть мужских, четыре акта, пейзаж (вид на озеро); много разговоров о литературе, мало действия, пять пудов любви», — так характеризовал свою «Чайку» Антон Чехов Алексею Суворину. И отмечал, что она будет создана «вопреки всем правилам драматического искусства».

Премьера «Чайки» состоялась в октябре 1896 года в петербургском Александринском театре и прошла со скандалом. Публика издевательски смеялась над каждым движением артистов, а пьесу восприняла как сборник случайных анекдотов и экстравагантных трюков. Зрители переговаривались друг с другом через весь зал, так что исполнителей едва было слышно за всем этим шумом.

Константин Варламов, который играл Шамраева, не переставал креститься, а Комиссаржевскую, исполнявшую роль Нины Заречной, увели в уборную отпаивать валерьянкой. Сам автор пьесы, когда зрители стали проявлять недовольство, покинул ложу, а затем ушел в кабинет режиссера. Позже Чехов и вовсе покинул театр и Петербург, ни с кем не простившись. В письме брату Михаилу он написал: «Пьеса шлепнулась и провалилась с треском. В театре было тяжкое напряжение недоумения и позора. Актеры играли гнусно, глупо. Отсюда мораль: не следует писать пьес».

Через два года Константин Станиславский и Владимир Немирович-Данченко поставили пьесу в Московском художественном театре. И на этот раз спектакль прошел с ошеломительным успехом. «Чайка» стала одной из самых популярных пьес в мире — и не только в театральном искусстве. Например, писатель Борис Акунин описал варианты ее финала в одной из своих книг.

Постыдный балет Чайковского
«По приглашению Московской дирекции пишу музыку к балету «Озеро лебедей». Я взялся за этот труд отчасти ради денег, в которых нуждаюсь, отчасти потому, что мне давно хотелось попробовать себя в этом роде музыки»
Петр Чайковский, письмо Николаю Римскому-Корсакову
Раньше «серьезные» композиторы не писали музыку к балетам, за исключением Адольфа Адана и Лео Делиба. Однако Чайковский ответственно отнесся к своему первому произведению в этом жанре. Композитор тщательно изучал особенности «музыки для танцев» и партитуры. Через год работы, в 1877 году, Чайковский завершил произведение и получил внушительный гонорар в 800 рублей, что было вдвое больше обычного. В театре восхищались новым произведением.

Однако не все артисты принимали экспериментальную, сложную для балета музыку. Балерина Лидия Гейтен, которую композитор видел в роли Одетты-Одиллии, отказалась от участия еще во время репетиций. Прима Московской императорской труппы Анна Собещанская также предложение не приняла. В итоге пришлось срочно вводить Пелагею Карпакову, у которой уже было меньше времени на подготовку. С балетмейстером тоже возникли трудности. Премьер Арнольд Гиллерт опасался маленького сбора и потому ставить «Лебединое озеро» отказался. Пришлось пригласить Вацлава Рейзингера, чьи предыдущие работы в Большом театре неизменно проваливались. «Лебединое озеро» не стало исключением. После премьеры «Санкт-Петербургские ведомости» писали:

«Странное скопление на сцене дам разного возраста и разной комплекции в тяжеловесных костюмах с перьями, тщетно старавшихся изобразить горделиво плывущих лебедей. К радости публики, в конце спектакля вся эта разномастная птичья стая утонула в озере вместе с немецким принцем Зигфридом, бросившимся вслед за ними в воду»
Однако спектакль вошел в репертуар: за два года спектакль показали 27 раз и лишь после этого сняли. И все же в 1895 году «Лебединое озеро» вновь появилось на театральной сцене, уже в постановке Мариуса Петипа и Льва Иванова. Эта версия имела успех и позже стала символом русского балета. Но Петр Чайковский об этом так и не узнал: «Чистая дрянь, вспоминать о ней без чувства стыда не могу».

Страсти по Глинке
Премьера «Руслана и Людмилы» была приурочена к шестилетней годовщине постановки первой оперы Михаила Глинки — «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). Она прошла на той же сцене Большого театра в Санкт-Петербурге и в ту же дату. Композитор был признанным мастером, и новое его произведение ждали с нетерпением. Глинка едва успел закончить оперу: так быстро и охотно ее приняли к постановке.

Однако на премьере успешно прошло лишь первое действие. Исполнительница партии Ратмира Анна Петрова-Воробьева заболела, и вместо нее выступила молодая солистка-однофамилица Анфиса Петрова, которая к спектаклю подготовиться не успела. Эпизод с Головой во втором действии привел зрителей в недоумение: «В ней сидит целый хор и ревет из нее, как стадо быков». К четвертому акту зрители и вовсе устали. Император Николай Павлович и вся его семья не дождались завершения оперы, а в финале раздались не только аплодисменты, но и шиканье. Растерянный композитор не знал, стоит ли выходить на поклон. Генерал Дубельт, сидевший с ним в одной ложе, развеял сомнения: «Иди, Христос страдал более тебя».

Публика называла оперу многострадальной, критики обвиняли в том, что ей не хватает драматического действия. И лишь немногие оценили новый жанр, который Николай Римский-Корсаков позже назвал эпической оперой. Сегодня «Руслан и Людмила» — классика музыкального театра. Только на сцене Большого театра ее исполняли около 700 раз.

5 скандальных премьер, которые позже стали классикой
Далеко не все произведения, которые сегодня мы воспринимаем как несомненные шедевры, в свое время благосклонно встречала публика. Зачастую авторы были новаторами и не находили понимания среди современников, бывало, что допускали роковые ошибки, когда выбирали исполнителей и постановщиков, а иногда в процесс просто вмешивался случай.
Несостоявшаяся «Женитьба»
«Провинциальный жених», «Женихи», «Женитьба» — все это версии названия известной пьесы Николая Гоголя. Сегодня ее часто ставят в театрах по всей России, однако первое знакомство произведения с публикой вряд ли можно назвать удачным.

Рождалась пьеса мучительно: с того момента, как писатель начал работать над текстом, до публикации прошло почти десять лет. Гоголь то брался его переписывать, то терял интерес к произведению, а то и вовсе горел желанием все уничтожить. И все же в 1841 году он завершил пьесу. Через год была намечена премьера в петербургском Александринском театре.

Из-за названия публика ждала в финале спектакля свадьбу и счастливую концовку. А увидела лишь то, как незадачливый жених убегает в окно. Этого писателю не простили: зрители отметили постановку лишь скудными хлопками, а критики назвали «шалостью большого таланта».

«Театр был полон. В продолжение пъесы было несколько взрывов хохота. К концу, который на сцене выходит как-то не совсем эффектен, стало тише, и, когда занавес опустили, раздалось шиканье»
«Литературная газета»
Неодобрительный тон «Литературной газеты» подхватили и другие издания. Издания «Северная пчела» и «Репертуар и пантеон» писали, что характеры героев не проработаны, а в сюжете нет ни завязки с развязкой, ни острот, ни правдоподобия. К пятому показу, правда, спектакль уже принимали, по словам поэта Николая Прокоповича, с единодушным восторгом, но постановка в репертуаре все-таки не задержалась.

Сам автор замечания критики принял спокойно и самокритично: «Толки о «Женитьбе» и «Игроках» совершенно верны, и публика показала здесь чутье».

Больше для театра Гоголь не писал.

У балерины жил ручной лебедь по имени Джек
В своем лондонском доме Павлова развела настоящий зверинец. Помимо кошек и собак, там жили лебеди, голуби, павлины, фламинго и множество мелких экзотических птиц. Лебедь Джек был одним из любимцев звезды миниатюры «Умирающий лебедь». Он позволял хозяйке брать его на колени, ел хлеб из рук и даже позировал вместе с Павловой перед фотокамерами.

Автор статьи про Анну Павлову:Инна Докучаева

Сергей Дягилев осуждал личное турне Анны Павловой по Европе

Отношения между Сергеем Дягилевым и Анной Павловой испортились еще в 1909 году, за два месяца до премьеры Русских сезонов. Он узнал, что артистка, которая должна была стать звездой его парижских гастролей, договорилась о личном турне по Европе. Скорее всего, Павлова так поступила из опасений, что из-за множества трудностей премьера может не состояться. Она не уступила просьбам Дягилева отменить турне. Договорились, что Павлова приедет в Париж и начнет выступления через две недели после открытия Сезонов. Так и получилось. После этого балерина ушла из труппы и продолжила самостоятельную карьеру. Причиной такого решения могло стать пренебрежительное отношение антрепренера к балету. Он заявлял, что «смотреть его с одинаковым успехом могут как умные, так и глупые — все равно никакого содержания и смысла в нем нет; да и для исполнения его не требуется напрягать даже маленькие умственные способности».

Дягилев считал позорным сам факт выступлений Анны Павловой в лондонских и парижских театрах-варьете и позже обвинил балерину в причастности к «распродаже искусства».

…Вы увидите, ждать недолго, — все наше хореографическое искусство, примером и заботами г-жи Павловой и ее подручных, очутится «в кабачке за полушечку.
Из письма Сергея Дягилева в редакцию «Петербургской газеты», 26 августа 1910 года. Цитируется по книге Шенга Схейена «Сергей Дягилев: «Русские сезоны» навсегда»

Павлова заботилась об участниках своей труппы и занималась благотворительностью
Балерина участвовала в благотворительных спектаклях и вечерах. После Первой мировой войны она основала приют для дочерей русских эмигрантов под Парижем. Когда в 1919 году в России начался голод, Анна Павлова на деньги, которые получала за выступления, отправляла нуждающимся посылки с едой. Не менее внимательна она была к людям, с которыми выступала на сцене. Участник труппы Харкурт Альджеранов вспоминал: «Не было ни одного мелкого несчастного случая, который ускользнул бы от ее внимания, — она сама чертила сетку из йода на лодыжке какой-либо из танцовщиц, а затем посылала ее на специальный массаж, давала бутылочку ароматической жидкости тому, у кого болела голова».

Чарли Чаплин был поклонником Павловой
По легенде, знаменитый комик впервые увидел Анну Павлову на банкете в ее честь. Он произнес, что не может выразить свое восхищение на родном английском и должен прибегнуть к китайскому языку. Возлюбленный балерины Виктор Дандре запомнил другую фразу актера:

Мы похожи с вами, Анна! — как-то сказал Чаплин. — Я — бродяга, Вы — сильфида. Кому мы нужны? Вот нас и гонят…
Из книги Виктора Дандре «Моя жена — Анна Павлова»
Позже актер и балерина общались во время поездок Павловой по Северной Америке. Чаплин даже консультировал ее по поводу съемок танцев на кинопленку.

Анна Павлова дружила с Александром Вертинским
В 1925 году Вертинский переехал в Париж, где прожил после этого чуть меньше 10 лет. За эти годы он успел познакомиться и сдружиться со многими российскими знаменитостями, в числе которых была и Анна Павлова. Иногда они ужинали вместе, а как-то раз певец учил балерину танцевать танго. Павлова и Вертинский вели откровенные беседы:

Говорили об Англии. Она рассказывала о своем доме в Лондоне, о своем парке, о пруде с лебедями, о газоне, который стригут два раза в неделю… И вдруг замолчала.
— Вы тоскуете по России? — тихо спросил я.
— Ужасно, мой друг, ужасно! До бессонницы, до слез, до головной боли, до отчаяния — тоскую! Я мерзну в этой холодной и чужой стране, — тихо сказала она. — Все, не задумываясь, я отдала бы за маленькую дачку с нашей русской травой и березками где‑нибудь под Москвой или Петроградом.
Александр Вертинский. «Дорогой длинною…»

Толпы шведских поклонников молча стояли под окнами балерины, не желая тревожить ее покой
В 1907 году Павлова отправилась на гастроли по городам Центральной Европы и Скандинавии. В Швеции балерину ждал оглушительный успех. Виталий Вульф в книге «Божественные женщины» писал, как Анна Павлова покорила жителей столицы: «В Стокгольме огромная толпа провожала Павлову до гостиницы, и люди молча стояли под окнами ее номера, когда она зашла внутрь, не желая мешать отдыху балерины. Павлова вышла на балкон — и толпа разразилась овациями. Горничная объяснила растерянной балерине: «Вы подарили этим людям минуту счастья, заставив на время забыть о повседневных заботах».

10 интересных фактов об Анне Павловой

10 фактов из жизни одной из самых известных балерин XX века. Читайте о том, как Анна Павлова участвовала в студенческом восстании, гастролировала по миру, дружила с Александром Вертинским, вызывала восхищение Чарли Чаплина и неодобрение Сергея Дягилева.

Одноклассницы в Императорской балетной школе дразнили Анну Павлову «шваброй»
В начале XX века в моде были танцовщицы с крепким телосложением и хорошо развитой мускулатурой, а идеалом форм считали итальянку Пьерину Леньяни. Будущие балерины очень старались походить на нее — в том числе Анна Павлова, которая с детства была настолько худой, что одноклассницы даже прозвали ее «шваброй». Танцовщица усиленно питалась, принимала рыбий жир и старалась нарастить мышечную массу. В итоге от этой затеи свою хрупкую ученицу отговорил педагог и балетмейстер Павел Гердт.

К счастью для Павловой, Гердт сумел распознать сущность ее таланта. Ему было больно видеть, как его хрупкая ученица пытается выполнить то, что легко давалось мускулистой итальянской танцовщице. Он посоветовал ей не гнаться за эффектами, подвергающими опасности ее хрупкий организм.

Из мемуаров балерины Тамары Карсавиной

Балерина участвовала в студенческом восстании 1905 года
Осенью 1905 года артисты балета устроили забастовку. Они требовали административного самоуправления, хотели сами выбирать людей, которые отвечали за жалованье, и получить право голоса во время работы над сценическим образом. Комитет забастовщиков возглавили будущие звезды Русских сезонов: Анна Павлова, Михаил Фокин и Тамара Карсавина. Однако глава Дирекции Императорских театров Владимир Теляковский пригрозил бунтовщикам наказанием и заставил всех балетмейстеров и артистов подписать бумагу, в которой они подтверждали свою лояльность к правлению.

Анна Павлова никогда не была замужем
У балерины был постоянный спутник жизни — импресарио Виктор Дандре, с которым она познакомилась в 1904 году. Некоторые современники были уверены, что пара обвенчалась тайно. Однако Павлова утверждала, что замуж она не собирается. Дандре же написал книгу воспоминаний, где привел такие слова возлюбленной: «Теперь я хочу ответить на вопрос, который мне часто предлагают: почему я не выхожу официально замуж. Ответ очень простой. Истинная артистка, подобно монахине, не вправе вести жизнь, желанную для большинства женщин. Она не может обременять себя заботами о семье и о хозяйстве и не должна требовать от жизни тихого семейного счастья, которое дается большинству».

Балерина заплатила огромную неустойку за то, что разорвала контракт с Мариинским театром
Исследователи называют сумму в 21 000 рублей — для сравнения: учитель гимназии тогда получал 85 рублей в месяц. Считается, что балерина покинула театр ради гастролей в Америке. В этой стране ее ждал большой успех: знаменитый импресарио Сол Юрок говорил, что именно день первого выступления Павловой в Нью-Йорке следует считать датой зарождения американского балета.